Neoclásico, Romanticismo, Realismo, Impresionismo, Cubismo, Expresionismo, Dadaísmo, Arte Abstracto, Surrealismo.
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NEOCLASICO
Vuelta al mundo clásico tras el frenesí barroco.
La ilustración se extendió hasta el arte y la razón de la antigüedad greco-romana vuelve a ser un faro por el que guiarse estética y filosóficamente.
vuelve a ponerse de moda la claridad y la sencillez,el dibujo y la forma, sobre el color y la mancha, que dejan de tener valor estético por sí mismos. Se valora la factura impecable, sin pinceladas del autor, se aprecia la temática histórica y mitológica, mejor si estaban basadas en los clásicos -
Jaques-Louis David
Fue el pintor neoclásico francés por excelencia. Inspirado en la antigüedad greco-romana, su arte supura clasicismo, que ligado al clima político y social que le tocó vivir, da lugar a una solemnidad casi religiosa. Su obra no sólo está perfectamente acabada, sino que documenta a la perfección los agitados momentos que vivió su país (y él mismo como protagonista). -
John Flaxman
John Flaxman tenía un auténtico don para el dibujo. Pero no sólo destaca en la ilustración, Flaxman también era un fantástico escultor, alumno de Antonio Canova. El éxito de sus ilustraciones se debe en parte a la simpleza, son dibujos muy lineales y no tienen una ornamentación excesiva, a eso se debe su triunfo, nuestra imaginación hace el resto. -
Giuseppe Sanmartino
Escultor napolitano. Virtuoso, clásico. Sus maestros: Corradini y Queirolo. De ellos sacó ese gusto por el detalle minucioso en su Cristo velado, increíble escultura. Con semejante obra, se creó la leyenda de que el alquimista Raimondo di Sangro había enseñado al escultor la calcificación de los tejidos en cristales de mármol y el escultor adquirió casi superpoderes. -
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ROMANTICISMO
Se origina paralelamente en Alemania y el Reino Unido cuando un grupo de gentes variopintas deciden que ya están hartas de tanto racionalismo e ilustración. El mundo es más bien lo contrario… irracional. No es sereno ni intelectual. Más bien está lleno de sentimientos, de imperfecciones. Y ahí está la gracia.
Vuelve así ese barroco gusto por el drama, y si es con violencia, mejor. Guerras, locura, muerte… Además no está mal aderezarlo con un poco de erotismo.
La libertad individual -
Goya
Francisco de Goya fue uno de los más grandes artistas de la historia. Siempre innovador, consiguió adelantarse a todos y cada uno de los movimientos pictóricos que aparecieron en Europa, desde el romanticismo al surrealismo, pasando por el impresionismo y el expresionismo.
Es por ello considerado el Padre del Arte Contemporáneo. Su producción, con arriesgadas obras, como las geniales Pinturas Negras, que preludian el expresionismo o el surrealismo casi 100 años antes de que este naciera. -
Eugene Delacroix
Fue el gran pintor romántico francés. Quizás el artista más emblemático del movimiento aparecido en el primer tercio del XIX. Adelantado a su tiempo, la influencia de sus estilo se nota en el posterior impresionismo, sobre todo por su audacia y maestría en la utilización del color. En su obra se mezcla la fantasía, lo macabro y lo erótico. Delacroix parece valorar más los sentimientos y emociones que los ideales, paradigma de pintor romántico -
Caspar David Friedrich
Fue un artista prerromántico, que introdujo el romanticismo en Alemania.
Sus paisajes alegóricos, que muestran el valor romántico de lo sublime, ilustran cielos tormentosos, nieblas matinales y ruinas góticas, todo muy del gusto del romanticismo alemán. Su interés principal como artista era la naturaleza, y a veces ubicar al ser humano empequeñecido en contraste con extensos paisajes. Perteneció a esa primera generación de artistas libres, que no pintaban por encargo. -
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REALISMO
Los realistas rechazan lo exageradamente emocional, es decir, lo sentimental. Rechazan lo exótico porque quieren mostrar lo cercano.
Adopta una postura activamente política, denunciando las injusticias sociales y comprometiéndose con las clases bajas y los movimientos políticos de izquierda.
El costumbrismo se convierte en un tema mayor para la pintura, así como el paisaje, y otros géneros como el desnudo eliminan todo idealismo, convirtiéndose en lo que muchos consideraron arte obsceno. -
Gustave Courbet
Se hartó de tanta afectación romántica y junto a otros jóvenes artistas ayudó a crear el realismo, que como su nombre indica, abogaba por mostrar la realidad tal cual es (si es que esto es posible). Al mismo tiempo fue un «hombre de izquierdas» y un comprometido activista democrático, republicano y socialista que rechazó premios y siempre se guió por un espíritu libre y contestatario. Su arte, será uno de los más originales, talentosos e interesantes del arte francés. -
Jean Francois Millet
Con él (y la Escuela de Barbizon, fundada por él) nació el realismo. Un realismo en el que muestra una continua simpatía por los campesinos, por los hombres y mujeres humildes que se ganan el pan con trabajo duro (o quizás en oposición a las ciudades industriales de la época, que en algunos casos no distaban del infierno). La naturaleza era muy importante. Más que representarla, la interpretaba a su manera idealista como comprendiendo «las voces de la tierra, los árboles o los senderos». -
Ilia Yefímovich Repin,
Fue uno de los más importantes artistas rusos del XIX, en concreto de ese movimiento que se llamó Peredvízhniki, un estilo realista crítico muy ruso, que contó con el apoyo de las masas (después de todo una de las ideas de Repin y sus colegas de movimiento era la democratización del arte).
Sus obras se enmarcan dentro del realismo, pero al estilo ruso, con esa profundidad psicológica y sin ocultar a veces el descontento social. -
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IMPRESIONISMO
Nace a partir de la segunda mitad del siglo XIX y quiere, a grandes rasgos, plasmar la luz y el instante, sin importar demasiado la identidad de aquello que la proyectaba. Las cosas no se definen, sino que se pinta la impresión visual de estas cosas.Se caracteriza por el uso de colores puros sin mezclar, el hecho de no ocultar la pincelada, y por supuesto darle protagonismo ante todo a la luz y el color. Una misma forma cambia dependiendo de la luz, dando lugar a una pintura totalmente distinta. -
Claude Monet
Monet fue la figura clave del movimiento impresionista. De hecho fue un cuadro suyo el que puso nombre al movimiento.
Sus innovaciones en el estudio del color y la luz causaron tanta admiración como rechazo, pero como bien sabemos, se adelantó lo justo a su tiempo como para ser considerado un innovador y tener éxito al mismo tiempo. -
Eduard Manet
En principio Manet era una especie de neo-tenebrista españolizado, pero en un momento dado (y quizás inspirado por su amigo Baudelaire) descubrió la luz, y su efecto vida urbana moderna. Empieza a desarrollar entonces una atrevida técnica ligera y brillante, que dejó a toda la juventud con la boca abierta y provocó el rechazo de los viejos trilobites. Entre la juventud estaba, por supuesto, toda la tropa impresionista, que encumbró a Manet como líder y gurú. -
Edgar Degas
Pintor y escultor, maestro del pastel y obsesionado por la danza (o más bien por las bailarinas) fue uno de los más célebres artistas vinculados al impresionismo, aunque a decir verdad, se veía a sí mismo como un realista y para él, la verdadera belleza radicaba en el dibujo acabado, algo verdaderamente anti-impresionista. Tampoco le interesó nunca el paisaje como al resto de impresionistas (de hecho, prefiería los interiores) y se dedicó casi exclusivamente al estudio del cuerpo humano. -
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POSTIMPRESIONISMO
Artistas que trabajaron después del impresionismo, reaccionando contra él en muchos aspectos, y que reunen las siguientes características:
Asentaron las bases del arte moderno.
Por lo general no fueron apreciados en vida.
Una vez muertos fueron considerados clásicos intocables.
Estilísticamente no hay un rasgo definitorio que una a estos autores, pero en general utilizaron colores vivos, pinceladas poco discretas y unas temáticas basadas en la vida real. -
Paul Cézanne
Paul Cézanne es el padre de la pintura moderna, puente entre el siglo XIX y las nuevas propuestas del XX.
Pero en vida Cézanne fue un pintor ignorado. Arisco y misántropo, apenas expuso y no confió jamás en el mundo del arte. Sólo tendría la admiración de algunos de sus más modernos contemporáneos, y por supuesto el de las nuevas generaciones, como Picasso o Matisse que afirmaron: «Cézanne es el padre de todos nosotros». -
Vincent Van Gogh
Paradigma de pintor atormentado, de genio solitario que no vendió ni un miserable cuadro en vida (hoy su obra tiene un valor incalculable), es verdad que tenía serios trastornos psiquiátricos, pero lo cierto es que fue un pintor muy de su tiempo, que evolucionó de la monocromía típica de la pintura holandesa y del realismo de sus ídolos Millet o Rembrandt, al arte colorido con el que lo identificamos hoy en día, pasando por el inevitable influjo del impresionismo. -
Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa
pintor y cartelista, bohemio, 1,52 m.de altura, minusválido, alcohólico, ave nocturna, provocador, depresivo, sifilítico… Un aristócrata que se consideraba a sí mismo cronista social pintando al pueblo y a la noche de la belle epoque parisina, incluidas las prostitutas, que frecuentó y amó. En definitiva, uno de los mejores artistas del arte moderno francés. Dibujante e ilustrador, cartelista de cabarets y espectáculos y demás publicidad. -
Paul Gauguin
Asentó las bases del arte moderno.
Nunca fue apreciado en vida.
Una vez muerto fue considerado un clásico intocable.
Sus pinturas son hoy las más caras de la historia.
Gauguin creó un nuevo lenguaje que después adoptarían los jóvenes vanguardistas: un novedoso y expresivo uso del color, el gusto por la simplicidad del primitivismo, la audaz experimentación en todos los ámbitos y técnicas, la bohemia y la intención de alejarse de lo establecido, lo que se podría calificar de pura subversión. -
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CUBISMO
El cubismo consiste reconocer la naturaleza bidimensional del lienzo y no recrear la tridimensionalidad (cosa que pretende una figura como el cubo).
Para mirar un cubo, hace falta un sólo punto de vista, y lo que querían artistas como Braque o Picasso, inspirados por Cézanne, es mirar un objeto desde todos los puntos de vista posibles. Para entendernos, es como desmontar una caja de cartón y dejarla completamente abierta en una superficie plana, mostrando todo a la vez, y entrelazado. -
Pablo Picasso
Pablo Ruiz Picasso, arquetipo de «el artista», genio, vital, creador de estilos, una leyenda ya en vida (que él contribuyó a forjar) y sin duda alguna, uno de los más grandes artistas de la historia.
Dejó huella en cada una de sus múltiples etapas de sus períodos azul, rosa o blanco y negro, al cubismo que inventó, después al surrealismo, a la abstracción… y por este inconmensurable talento junto a su ingente producción estamos ante el artista más famoso de la historia del arte. -
Georges Braque
Braque fue, junto a Juan Gris y Picasso, uno de los representantes clásicos del cubismo. Antes fue pintor de brocha gorda, como su padre, y miembro del fauvismo, que lo fascinó por su modernidad, pero fue conocer la pintura de Cezanne, y sobre todo la carismática figura de Pablo Picasso lo que hizo cambiar definitivamente su estilo. Entre Picasso y Braque consiguieron que el cubismo se asentara como una de las vanguardias más sólidas y evolucionara hacia otros caminos. -
Henri Matisse
El gran artista del siglo XX junto a Picasso. Su revolucionario uso del color cambió la pintura y encabezó una de las primeras vanguardias, el fauvismo, del que acabaría evolucionando hacia un arte personal e inclasificable.
Esos colores contrastados junto con la influencia de la escultura africana y otras culturas primitivas serán denominador común de esa etapa del pintor, pero sobre los años 20 el artista se serena un poco y comienza a tender a la sensualidad, el ornamento y la tradición. -
Edvard Munch
Pintor de la angustia, del miedo, de la enfermedad, de la muerte… Y precisamente por ello fue precursor del Expresionismo alemán, al que tanto le gustaban estas temáticas sórdidas. En cierto sentido, para Munch eso representaba belleza, intento diseccionar almas» Retrató a la perfección al hombre moderno y su sufrimiento existencial, tan ligado al sexo como a la muerte y que se tradujo en los temas que trató en su pintura: la soledad y la angustia. -
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EXPRESIONISMO
Movimiento de vanguardia surgido en Alemania a principios del siglo XX, se caracteriza por tener un matiz más pesimista, más feo, por así decirlo, ya que los expresionistas alemanes no escatimaron en mostrar lo morboso, lo prohibido, lo obsceno… Deformación de la realidad para expresarla de forma más subjetiva (esa puede ser una definición válida del arte: una deformación de la realidad…). Se quieren mostrar sentimientos, emociones, algo que ilustre la naturaleza y el ser humano. -
Emil Nolde
Fue un importante pintor del expresionismo alemán, miembro destacado de Die Brücke y odiado como ninguno por los nazis, que le dieron un puesto de honor en la lista de artistas degenerados, que como sabemos contaba con la flor y nata del arte moderno. Su arte sorprende sobre todo por su fuerte cromatismo y una gran sencillez de las obras, sin detalles inocuos. Los rostros que retrataba parecen máscaras, no buscaba la belleza precisamente, sino más bien todo lo contrario. -
Ernst Ludwig Kirchner Piper
Fue uno de los padres del movimiento expresionista alemán, al crear el grupo expresionista Die Brücke (El puente) en 1905. Su obra se caracteriza por la simplificación formal y un uso arbitrario del color. Creó una especie de culto a la subjetividad y lo «feo».
Comenzó a pintar de forma autodidacta. Iba a ser arquitecto, pero cuando conoció el grabado de madera (xilografía) su mundo cambió. Dieron paso a una nueva y emocionante fase en la historia del arte: el expresionismo. -
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DADAÍSMO
Sobre el origen del nombre dice que el porte Tristan Tzara abrió un diccionario y encontró esa palabra al azar.
Y ese sea quizás lo más importante del dadaísmo: el caos, el azar… y tirando hacia lo gamberro, hacia lo escandaloso. Nada hacía más feliz a un dadaísta que escandalizar a un burgués.
Dadá es anti-todo. Anti-arte, anti-literatura, anti-dadá incluso…
Dadá es destrucción. Una destrucción creativa si se quiere, pero destrucción. Quizás por ello no duró demasiado como movimiento. -
Marcel Duchamp
Marcel Duchamp es considerado el artista más influyente del siglo XX. Se adelantó al arte conceptual, elevó el objeto cotidiano a categoría de arte y cambió radicalmente la idea de la belleza. En realidad era un gamberro, un punk que convirtió una broma en el dogma que hoy sigue la aborregada comunidad artística internacional. En 1914, Duchamp crea los ready mades, objetos cotidianos separados de su entorno habitual y presentados por el artista como obras de arte. -
Man Ray
Emmanuel Radnitzky, o Man Ray, fue un americano en París. Un dadaísta y surrealista que nunca militó en ninguno de los movimientos pero siempre se mantuvo a la vanguardia de todos ellos. Si en aquellos años todavía se planteaba si la fotografía era arte, Man Ray lo dejó claro: Pionero en la fotografía abstracta (rayogramas, fotos en las que no es necesaria la cámara; solarizaciones, negativos expuestos a la luz…), también cultivó la pintura, la escultura y el cine. -
Hannah Höch
Hannah Höch fue una de las artistas dadaístas que trabajó la técnica del fotomontaje con intenciones plásticas. Fue además una importante activista de los derechos de la mujer, denunciando continuamente una sociedad machista y misógina. 100 años después, la lucha continúa. denunció continuamente las tropelías de una sociedad machista y misógina y habló además abiertamente de la androginia y el amor lésbico, cosa que conocía de primera mano dada su nada oculta bisexualidad. -
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Arte Abstracto
El arte abstracto es el contrario del figurativo (es decir, la representación de objetos identificables mediante imágenes reconocibles). Por tanto la abstracción no representa «cosas» concretas de la naturaleza sino que propone una nueva realidad.
Es oficialmente Kandinsky el primero en teorizar sobre esto. Los artistas abstractos tiraron (tiran) por dos vertientes diferenciadas: Arte abstracto expresivo: subjetivo y espontáneo,
Arte abstracto geométrico: que pretende ser objetivo y universal, -
Alphonse Allais
Alphonse Allais no solo se adelantó a la abstracción con esta obra, sino al suprematismo, el dadaísmo, el minimalismo o el arte conceptual. Se podría decir que fue él, como literato y humorista, el germen de la vanguardia en Francia.
Recordemos que es el humor quizás la más elaborada, compleja y pura de todas las artes, y aquí vemos un ejemplo del humor de Allais con el que consiguió, consciente o inconscientemente, adelantarse unos años a los Cuadrado Negro y Cuadrado blanco de Malevich. -
Wassily Kandinsky
Ruso, alemán y después francés, el pintor Wassily Kandinsky fue el gran teórico (y práctico) del arte abstracto, es decir, este arte en el que la representación del objeto es secundaria e incluso perjudicial: la belleza del arte reside en la riqueza cromática y la simplificación formal. Es la representación de lo esencial del arte, no una burda imitación de la naturaleza, que es de por si insuperable.
Sería por tanto, uno de los padres del arte abstracto. -
Paul Klee
Para Klee la pintura no era una evasión, sino un instrumento visionario. Un medio de encontrar los mundos paralelos que sospechaban que se escondían tras la llamada realidad.
Para ello utilizó un eficaz instrumento: la abstracción. Personaje inclasificable en ninguna de las vanguardias (que frecuentó y en las que tuvo buenas amistades), fue siempre por libre, quizás por ello sea hoy tan actual y fresco, nada desfasado. -
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SURREALISMO
El surrealismo era un proyecto esencialmente literario, El arte surrealista suele ser incongruente, onírico y muy original.
Como eso del subconsciente es algo tremendamente personal, no hay un «estilo surrealista». Cada autor lo vivía a su manera, pero podemos distinguir en líneas generales dos formas de arte surrealista:
Una automática, espontánea y fluída, con universos figurativos propios.
Una naturalista, con figuración a veces hiperrealista el mundo de los sueños y el inconsciente. -
André Breton
Fue el gurú del surrealismo. Poeta de vocación, se unió al dadaísmo, pero al perder fuelle este movimiento decidió que había que continuarlo mediante una base teórica sólida.
Breton había sido camillero en hospitales psiquiátricos durante la guerra, y ahí conoció tanto la obra de Sigmund Freud como conoció la extraña realidad oculta tras la locura.
Breton quería, con esa locura como herramienta, unir eso de Rimbaud de «cambiar la vida» con eso de Marx de «transformar el mundo». -
Maruja Mallo
Fue una de las principales artistas de la Generación del 27 española y una importantísima creadora que viajó por todo el mundo, vivió noches de juerga y poesía surrealista con Dalí, Lorca o Alberti. Como artista cultivó un surrealismo muy especial. Su estilo pasó por dos etapas diferenciadas, una colorista en los años 20 con temáticas mágicas, cosmopolitas y optimistas; y otra sombría y apagada en los 30, más caótica y desequilibrada. Recuperará equilibrio y armonía,en la pintura figurativa. -
Luis Buñuel
Buñuel tenía 29 años (fue su primera peli) y Dalí 25. Ambos decidieron hacer un cine experimental, surgido lo más directamente posible del subconsciente. Buñuel declaró: «Escribimos el guión en menos de una semana, siguiendo una regla muy simple: no aceptar idea ni imagen que pudiera dar lugar a una explicación racional, psicológica o cultural».
El guión plasmaba las primeras imágenes que les venían a la mente a los dos jóvenes, entre ellas la famosa navaja en el ojo. -
Salvador Dalí
«El surrealismo soy yo…» Y lo más surrealista es que es una afirmación probablemente cierta. Salvador Dalí fue quizás el surrealista más popular y uno de los máximos exponentes mundiales del arte contemporáneo. Ya fuera un genio o un artista estrafalario, su legado no pasa inadvertido incluso hoy en día y no podemos más que maravillarnos con la perfección técnica y el imaginativo contenido de su arte.
Su creatividad abarcó el cine, la escultura, el diseño (el logo de chupa-chups) y la escritura.