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Period: 30,300 BCE to 10,000 BCE
PREHISTORIA
Denominación que engloba el conjunto de manifestaciones artísticas realizadas por el hombre desde el Paleolítico Superior.
Pueden ser ornamentales, funerarias y religiosas elaboradas por el ser humano durante la prehistoria que han sobrevivido a los siglos para llegar hasta nosotros. En esta categoría entran tanto las pinturas rupestres del cuaternario, como el arte paleolítico o las construcciones megalíticas. -
30,000 BCE
PALEOLÍTICO SUPERIOR
Abundan las pinturas rupestres, realizadas al abrigo de cuevas y cavernas a base de pigmentos naturales. Tras ellas se esconde una intención mágico-suntuaria. Los motivos más representados son animales como bisontes, ciervos, corzos, gamos, mamuts, cabras, toros… aunque también se encuentran motivos antropomorfos, impresiones de pies y manos etc. -
12,000 BCE
PERÍODO MAGDALENIENSE
Se caracterizan por su naturalismo y su viva policromía. Francia y España poseen los conjuntos más importantes de este periodo. Proliferan los objetos de hueso y marfil como agujas, arpones, anzuelos, cuchillos. En piedra encontramos relieves y figuras de bulto redondo como las venus esteatopigeas, asociadas a ritos de fecundidad. Se conservan medio centenar de estas piezas, entre las que destaca la venus de Willendorff (Alemania). -
Period: 10,000 BCE to 5000 BCE
MESOLÍTCO
Las pinturas rupestres se caracterizan por su pequeño formato, por el uso de siluetas estilizadas y por la tendencia a la monocromía. Los temas revelan cierto carácter narrativo e incluyen escenas de caza y recolección, danzas, batallas etc. La figura humana es protagonista. -
8000 BCE
ESCULTURAS EN EL MESOLÍTICO
En la época Mesolítica las artes plásticas tienen una gran importancia. Los artistas tendían a producir en su mayoría esculturas en relieve (esculturas de animales descubiertas en Göbekli Tepe). También hay figuras talladas de forma independiente como las halladas en Nevali Cori. -
Period: 5000 BCE to 1700 BCE
NEOLÍTICO
Se producen numerosos cambio sociales, económicos y culturales que tienen su reflejo en las manifestaciones artísticas (generalización del comercio y la navegación, aparición de los primeros tejidos, de la cerámica y la arquitectura). A este periodo corresponde la producción de monumentos megalíticos, así llamados por sus grandes proporciones, que se extienden desde Japón hasta la Península Ibérica. -
3800 BCE
MONUMENTOS NEOLÍTICOS
Los monumentos más importantes son los dólmenes, tumbas formadas por grandes bloques de piedra que forman la cámara funeraria, como el dólmen de Aizkomendia, en Álava, España; y los menhires (grandes piedras colocadas de pie, también llamadas megalitos) como los de Gran Bretaña, en Francia y los grandes círculos de piedras de Inglaterra, o crómlech, cuyo ejemplo más representativo es Stonehenge (3000-1000 a. C.). Representan los comienzos de la arquitectura en Occidente. -
Period: 3700 BCE to 539 BCE
MESOPOTAMIA
El arte de Mesopotamia se ubica precisamente el momento en el que los Persas llegan al territorio conocido hoy como Irak y parte de Siria.
Se desarrollaron, desde el neolítico hasta la caída de Babilonia, diversas manifestaciones consideradas artísticas y culturales, tanto en técnicas y uso de materiales particulares, así como todo un desarrollo que se plasmó a partir de diversos géneros, tales como escultura, pintura, escultura, cerámicas, mosaicos primordialmente. -
Period: 3100 BCE to 30 BCE
EGIPTO
El arte egipcio tiende al gigantismo, es decir, muchos de sus edificios y esculturas son de dimensiones colosales. La pintura y la escultura en relieve empleada en templos y tumbas, unido al empleo de abundantes jeroglíficos ha permitido conocer con gran detalle la historia del Antiguo Egipto. -
3000 BCE
EL ARTE EN LA PRIMERA DINASTÍA DE EGIPTO
La importancia del equilibrio se manifestó como simetría, e inspiró el arte egipcio desde su inicio. El grabado en roca en el Período Predinástico estableció esta armonía, la cual se desarrolló por completo en la época de la Primera Dinastía de Egipto (ca. 3150-2613 a.C.). (PALETA DE NARMER) -
2800 BCE
LA ESCULTURA Y EL RELIEVE EN MESOPOTAMIA
La escultura de Mesopotamia se fundamentaba bajo un gran desarrollo utilitario, cuya simetría se encontraba regida por la ley de frontalidad, siendo estática y rígida, cuya expresividad podría destacar por los rostros de muchas de ellas. Por lo general, estas esculturas presentaban una desproporción respecto al cuerpo, cuya temática principal se relacionaba con retratos de dioses, así como reyes y altos funcionarios. (EL ESTANDARTE DE UR) -
2613 BCE
EL ARTE EN EL ANTIGUO REINO DE EGIPTO
Lo monumental se desarrolló debido a un fuerte poder político del estado y prosperidad económica, que permitió trabajos como la Gran Pirámide de Guiza, la Esfinge, el Obelisco. La pintura en tumbas tuvo un desarrollo significativo, sin embargo, la escultura permaneció igual la mayor parte del tiempo. La semejanza entre una estatua de Zoser que se encontró en Saqqara con una pequeña estatua de marfil del rey Khufu, descubierta en Guiza, exponen la misma técnica y estructura. -
2300 BCE
CERÁMICAS EN MESOPOTAMIA
Ésta, está relacionada muy estrechamente con el desarrollo y crecimiento de las ciudades, en especial con el excedente de la producción agrícola. Para el desarrollo de la agricultura se necesitó recipientes para poder transportar tanto la bebida como la comida, así como para su almacenaje y conservación. Es por ello que no solo se realizaron en grandes cantidades, sino que su papel fue de especial relevancia para el comercio en largas distancias. -
2190 BCE
ARTE DEL PRIMER PERÍODO INTERMEDIO DE EGIPTO
Esta etapa se caracterizó por caos y obscuridad, el arte de este tiempo se utilizó para demostrar tal descontentó. De tal forma se evidenció que la cultura egipcia estaba en decadencia y se dirigía a la anarquía y la ruptura. En realidad, el Primer Período Intermedio fue una época de crecimiento espectacular y cambio cultural. El resultado de la calidad en las piezas fue a la falta de un fuerte gobierno central, así como a la escasez de obras por mandato del estado. -
2040 BCE
ARTE EN EL IMPERIO MEDIO DE EGIPTO
El Imperio Medio (2040-1782 a.C.) el punto más alto de la cultura egipcia. La tumba de Mentuhotep II, es una obra de arte, tallada en rocas del cercano Tebas, la cual surge del paisaje natural y que da la sensación de ser un solo complejo. Las pinturas, frescos y estatuas que acompañaban la tumba también reflejan un nivel muy refinado y como siempre una simetría. La estatuas y bustos de reyes y reinas están talladas con precisión y belleza, algo que carecían los trabajos del Antiguo Egipto. -
1780 BCE
LA PINTURA EN MESOPOTAMIA
La pintura de Mesopotamia fue generada particularmente como parte de la arquitectura para embellecerla, aunque sean pocas las que hasta ahora hayan sobrevivido; esto debido a los materiales empleados de no mucha perdurabilidad. (Ofrenda a las divinidades en el Palacio de Mari) -
Period: 1700 BCE to 800 BCE
EDAD DE BORNCE
Se producen numerosos cambio sociales, económicos y culturales que tienen su reflejo en las manifestaciones artísticas (generalización del comercio y la navegación, aparición de los primeros tejidos, de la cerámica y la arquitectura). A este periodo corresponde la producción de monumentos megalíticos, así llamados por sus grandes proporciones, que se extienden desde Japón hasta la Península Ibérica. -
1450 BCE
OBJETOS DE USO COTIDIANO EDAD DE BRONCE
Los objetos elaborados para uso personal o domestico marcaban también la diferencia en el aspecto social ya que los más pudientes tenían acceso a objetos más elaborados y ornamentados y esto se extendía también al elemento funerario, las armas, y aspectos generales de la vida urbana.
(FAIENCE VASE. ISLA DE CYPRUS. EDAD DEL BRONCE TARDIO. 1450 A.C AL 1200 A.C. COLECCIONES DEL MUSEO BRITANICO.) -
1336 BCE
EL ARTE EN EL SEGUNDO IMPERIO DE EGIPTO
Dos de los más famosos trabajos de arte egipcio provienen de esta época: el busto de Nefertiti y la máscara mortuoria de oro de Tutankamón quien estaba en el proceso de desmantelar las reformas religiosas de su padre y regresar Egipto a las creencias religiosas tradicionales cuando murió a los 20 años. Es mejor conocido por su famosa tumba descubierta en 1922 d.C., y la gran cantidad de artefactos que contenía. -
Period: 1200 BCE to 300 BCE
GRECIA
Conciben el arte como mímesis de la naturaleza, mostrando una gran habilidad en el reflejo de las formas visibles por influencia de la filosofía griega. Apuestan por la vista como mejor juez y el arte como psique tardará mucho en aparecer, aproximadamente hasta el s IV a.C. -
1000 BCE
ARCAÍSMO EN GRECIA
Se vuelve a la arquitectura monumental, se centrará en templo y en la acrópolis, el conjunto monumental o ciudadela construida a su alrededor y que se solía situar en un lugar alto (acro=alto, polis= ciudad) . Los templos, en un principio de modesto tamaño, van adquiriendo cada vez más importancia, sustituyéndose la madera por la piedra en su construcción y siendo decorados con esculturas en frisos y frontones triangulares. -
Period: 753 BCE to 476
ROMA
Debido a la expansión de Roma, el arte romano se ve influenciado por las culturas itálicas primitivas, por el arte etrusco y por el arte griego, incorporando elementos culturales de cada pueblo conquistado sus características y conformando así lo que hoy en día conocemos como arte romano. -
Period: 750 BCE to 100 BCE
EDAD DE HIERRO
Gran desarrollo de la arquitectura y el urbanismo: se construyen ciudades fortificadas, provistas de murallas, canalización de agua etc. En este periodo los celtas invaden Occidente y difunden su sentido de la ornamentación a base de ritmos curvilíneos y esmaltes de color aplicados sobre el metal. -
604 BCE
MOSAICO EN MESOPOTAMIA
El mosaico proviene de la cerámica considerando que por medio de éste se solían representar figuras o imágenes a partir de pequeñas piezas de cerámica (aunque también se empleaba, en menor medida, el vidrio, la piedra y otros), cuyos colores y tamaños variaban según la combinación de su conjunto en sí mismo. (León de la Puerta de Ishtar) -
490 BCE
CLASICISMO EN GRECIA
En arquitectura se continúa con las órdenes arquitectónicas desarrolladas en la época arcaica: el dórico y el jónico. Sigue la arquitectura monumental orientado sobre todo al templo. En estilo dórico es el Partenón, templo de Atenea Partenos en la Acrópolis ateniense, obra de los arquitectos Ictino y Calícrates bajo la supervisión de Fidias. En el estilo Jónico destacó el Templo de Artemisa en Éfeso, el cual fue una de las Siete Maravillas del mundo. -
475 BCE
JOYAS EN LA EDAD DE HIERRO
Las joyas se usaban en la Europa con fines decorativos, así como para mostrar el estatus. Los celtas , durante este tiempo, eran conocidos por ser maestros en el trabajo del metal. En la Edad del Hierro, por ejemplo, los torques eran un tipo de collar tubular que usaban principalmente personas de alto estatus, como nobles y reyes, en las sociedades celtas. Las joyas durante este período de tiempo estaban hechas de oro, bronce, plata y, a veces, metales mezclados. -
432 BCE
ESCULTURA GRIEGA
La escultura griega clásica se conoce sobre todo por copias de época romana. Hay escasas esculturas originales griegas: por desgracia, muchas se perdieron en la Edad Media , suprimidas por cristianismo para acabar con los restos del paganismo; el mármol se calcinó y convirtió en cal y las estatuas de bronce fueron fundidas. Igual destino sufrieron las estatuas de Zeus Olímpico y de Atenea Partenos, elaboradas en valioso oro y marfil y que llegaron a alcanzar entre 10 y 12 metros de altura. -
350 BCE
PINTURA EN GRECIA
En la Antigua Grecia la pintura se usó abundantemente en la decoración de las obras arquitectónicas de todo tipo: religiosas, civiles, funerarias…. También se pintaban los ropajes y el cabello de las esculturas (excepcionalmente también la piel). Esta actividad era considerada un arte en sí mismo, no un mero acabado o decoración. El origen de la pintura griega estuvo asociado a las formas geométricas e idealizadas fuertemente influenciadas por el arte egipcio y asirio. (El rapto de Perséfone) -
323 BCE
PERÍODO PTOLEMAICO EN EGIPTO
El período ptolemaico (323-30 a.C.) fusiona el arte egipcio y griego para crear estatuas como las del dios Serapis (deidad greco egipcia, también, el arte egipcio romano (30 a.C.- 646 d.C.) seguiría el mismo modelo). Roma trazaría los mismos temas y técnicas del antiguo Egipto, para adaptar las deidades egipcias al entendimiento romano. La pintura en tumbas de este tiempo son un claro ejemplo de influencia romana, sin embargo, conservan los principios del Antiguo Reino. -
323 BCE
ARTE HELENÍSTICO EN GRECIA
El arte helenístico se caracterizó por su atención al detalle, y hacer hincapié en el naturalismo. Los artistas comenzaron a crear figuras que representaban de manera realista el cuerpo humano y los rasgos faciales.
La Victoria de Samotracia, es considerada como uno de los mejores ejemplos de la maestría del artista heleno en cuanto a convenciones y técnicas estéticas. La figura parece impresionante y con un viento imaginario que vuela su ropaje. -
250 BCE
MESOPOTAMIA ESCRITURA CUNEIFORME
Hay que considerar que uno de los desarrollos de más importancia de esta civilización fue el de la escritura cuneiforme, considerando que fue el primer sistema de escritura en la civilización humana. -
100 BCE
CERÁMICA ROMANA
La cerámica fue producida en cantidades enormes en la antigua Roma, es una producción con un marcado carácter utilitario, normalmente realizada a torno y con moldes. Su producción contiene vasijas, grandes ánforas y tinajas o dolium para el vino y el aceite, de pasta calcáreas con contenido en hierro. (HÉRCULES MATANDO A LOAMEDON) -
72
ARQUITECTURA ROMANA
También se consideraba una copia exacta del estilo de construcción griego. Pero, los romanos también han contribuido a los estilos arquitectónicos clásicos. Los dos desarrollos de los estilos de edificios romanos son los órdenes toscanos y compuestos. La toscana es una variante abreviada y simplificada del orden dórico del estilo griego. El compuesto es una orden alta con la decoración floral de los corintios y los rollos del estilo de construcción iónica de los griegos. (COLISEO ROMANO) -
79
PINTURA EN EL ARTE ROMANO
La pintura en el arte romano no fue muy popular y quedan pocos registros pictóricos de este estilo artístico. Sin las obras más famosas son aquellas que se pudieron rescatar de la ciudad de Pompeya. Estas obras rescatadas de arte romano en Pompeya son murales y frescos preservados a partir de la erupción del volcán Vesubio que petrificó la ciudad en el 79 d.C. Las piezas tenían temáticas vinculadas a la vida cotidiana de los romanos, a la cultura y a los dioses romanos.
(POETISA DE POMPEYA) -
100
ESCULTURA EN EL ARTE ROMANO
La escultura, especialmente a partir de la consolidación del Imperio, trajo consigo modelos griegos pero adaptados a la concepción del mundo propia de los romanos. Una concepción mucho más concreta, realista y práctica. La característica principal del arte romano en escultura fue la introducción de dos géneros: el retrato y el relieve narrativo. El retrato tenía una tendencia idealizadora de los personajes. Los relieves representaban glorias militares y arcos del triunfo. -
112
OBRAS DE INGENIERIA ROMANA
Los romanos estuvieron varios siglos en la península ibérica, la bautizaron con el nombre de Hispania y la dividieron en tres provincias: Citerior, Ulterior y Lusitania. Durante todo ese tiempo los hijos de Roma se dedicaron a levantar grandes estructuras monumentales para mostrar el alcance de su poder.
Entre ellas: Acueducto de Segovia. Es una de las mayores obras de ingeniería civil que se encuentra en España (Hispana durante el imperio romano). -
Period: 622 to
ARTE ISLÁMICO
El arte islámico es la corriente artística desarrollada por las personas que practican la religión islámica. Como toda forma artística tiene un recorrido en el tiempo y en la geografía mundial. El punto de origen en el tiempo del arte islámico se sitúa en el año 622, año de nacimiento de la religión musulmana cuando Mahoma marcha de La Meca a Medina huyendo de la intransigencia mostrada por su predicación. Y es que con el nacimiento de la religión islámica nace casi de forma intrínseca su arte. -
623
CALIGRAFÍA CÚFICA ISLÁMICA
Una de las manifestaciones artísticas más importantes fue precisamente esta escritura, que en los inicios de la historia del islam, se vertió con devoción el Corán, la palabra de Dios, en páginas magníficamente escritas. Encarna el concepto fundacional del “logocentrismo” que define la metafísica y la espiritualidad islámica. Caracteriza culturas cuyo sistema de valores y construcción metafísica reside en el habla, el lenguaje y la escritura, a saber el logos -
661
PERÍODO OMEYA ISLÁMICO
El arte y la arquitectura se convirtieron en una parte inseparable de la vida en el imperio, con una profunda influencia bizantina. A finales del siglo VII se construyó en Jerusalén la Mezquita de la Roca, que está considerada el primer gran edificio del mundo islámico. Este edificio de planta octogonal con una cúpula central que se sitúa muy por encima de un corredor columnar, e influencias romanas y bizantinas. -
750
PERÍODO ABBASIDA ISLÁMICO
Las influencias principalmente son mesopotámicas y persas, sobre todo a partir del traslado de la capital de Damasco a Bagdad. Destaca la Gran Mezquita de Samarra, de mediados del siglo IX, posee un curioso minarete cuya rampa de acceso describe un recorrido helicoidal que recuerda a los ziggurats. En Samarra se fija el tipo de mezquita formada por amplios patios cuadrados, rodeados de pórticos y salas divididas en varias naves por pilares. -
800
LACERÍA ISLÁMICA
Ornamentación geométrica característica del arte islámico que consiste en el trazado de una serie de líneas que se entrecruzan entre sí y que dan lugar a diferentes figuras como círculos, cuadrados o estrellas. Puede aparecer en varias formas y diseños, en madera, en metal, en cuero, etc. -
961
ATAURIQUE ISLÁMICO
Se refiere al adorno de figuras geométricas vegetales y patrones extravagantes que imita formas de hojas, flores, frutos, cintas, y aparecen casi siempre en las paredes de ciertas construcciones árabes, como las mezquitas, consideradas como un arte pictórico.
OBRAS: Mihrab de la Mezquita de Córdoba, el palacio Medina Azahara, o la Alhambra de Granada. También se empleó en el arte mudéjar, como se puede contemplar en la fachada del palacio de Pedro I, del Alcázar de Sevilla. -
Period: 1000 to 1200
ARTE ROMÁNICO
El arte románico fue el primer arte unificado del mundo cristiano occidental y se desarrolló en los siglos XI y XII, llegando en algunas áreas hasta el año 1250. Sus ejes estuvieron en Francia (Loira, Languedoc y Rosellón) e Italia (Lombardía). Desde esas regiones se irradió a España, los territorios germánicos y, años más tarde, a Inglaterra, aunque Suiza, los Países Bajos, Hungría y la antigua Yugoslavia también fueron testigos de este nuevo estilo. -
1001
ARQUITECTURA ROMÁNICA
En su arquitectura religiosa destacan los monasterios. En las iglesias románicas se mantenían los siguientes principios básicos: el empleo sistemático del arco de medio punto y el vano como integrante de los sistemas de cubierta y el empleo de muros gruesos como instrumento de soporte de los empujes de la bóveda, con escasa presencia de ventanales, y en el exterior, el empleo de contrafuertes como medio de creación de un espacio semiescultórico (juego de luces y sombras). -
1007
PINTURA ROMÁNICA
Para hablar de la pintura románica hay que diferenciar distintos tipo según la técnica y lugar de aplicación. Así tenemos:
Pintura mural de ábsides, naves, bóvedas, columnas.
Pintura aplicada a la escultura monumental para realzar su expresividad.
Pintura sobre tabla (por ejemplo en frontales de altares)
Uluminación de códices (miniatura).
Las características propias de la pintura románica son:
Bidimensionalismo, expresionismo, no mezcla colores, poca importancia de la luz. -
1100
ESCULTURA ROMÁNICA
Su manifestación más característica son los relieves, especialmente los que se ubicaban en los portales de las iglesias y los capiteles de las columnas. Escultura sintética, repetitiva y esquemática, sin intención de realismo o naturalismo.
Los temas más importantes fueron los bíblicos, como la imagen de Cristo Juez del mundo (Pantocrátor) en el portal principal. También se representaron santos, relatos evangélicos, escenas fantásticas y parábolas. -
Period: 1137 to 1550
ARTE GÓTICO
El arte gótico fue una denominación del estilo artístico que se desarrolló en Europa Occidental durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento, y bien entrado en el siglo XVI en los lugares donde el gótico pervivió más tiempo. -
1144
ARQUITECTURA GÓTICA
El estilo gótico se desarrolla en Europa, sucediendo al románico desde la cuarta década del siglo XII hasta bien entrado el XV. Aunque el gótico sucede arquitectónicamente al románico del siglo XII, lo cierto
es que ambas arquitecturas responde a principios inspiradores opuestos. La arquitectura gótica, realizada en piedra, se caracterizó por la conjunción de tres elementos constructivos: El arco apuntado u ojival, la
bóveda de crucería y el arbotante. -
1145
ROSETÓN GOTÍCO
Un rosetón es una ventana de forma circular, generalmente de grandes dimensiones, que tiene una vidriera calada y adornada con diferentes dibujos y colores. El rosetón se utilizó en la arquitectura románica y en la gótica, en esta última tuvo un gran desarrollo.
La estructura del rosetón es de una rosa, tiene como función iluminar el interior de los templos y conseguir un ambiente misterioso cuando es afectado por los rayos filtrados por los vidrios. -
1150
ESCULTURA GÓTICA
La escultura estaba unida a la decoración de las fachadas, tímpanos y parteluces de las iglesias. Sin embargo, el estilo gótico se fue independizando para ir cogiendo importancia en retablos y sepulcros.
CARACTERÍSTICAS:
Detallismo y expresividad en los rostros.
Búsqueda de cierto movimiento para conseguir un mayor naturalismo.
Preocupación por los volúmenes y las formas que van haciendo casi exentas a las esculturas en los pórticos de las iglesias o catedrales.
Portada de la Catedral de Reims -
1200
BESTIARIO ROMÁNICO
El románico hizo suyo los bestiarios procedentes de los mundos grecorromano, persa y bizantino, sacralizando la estética pagana que tenían esos animales, tanto reales como imaginarios, y convirtiéndolos en portadores de virtudes o perversiones; su aparición en canecillos y capiteles es con fines didácticos y de adventencia. El románico empleó ciertos animales con predilección para manifestar el bien y otros como formas del mal y del diablo. -
1200
PINTURA GÓTICA
La pintura gótica abandonó los muros de las
iglesias, ocupados por las vidrieras, y se
realizó en tablas de madera. Los colores de
las pinturas sobre tabla son brillantes, con
frecuente uso del oro para dar luminosidad,
y que exista un mayor interés por
representar el volumen de las figuras y la
profundidad del espacio. Además, se
ilustraron libros con miniatura.
(Duccio de Buoninsegna, 1308 "la Maesta") -
1200
VITRALES GÓTICOS
Los vitrales góticos fueron uno de los principales elementos constructivo-decorativos que marcaron la forma de concebir la arquitectura eclesiástica durante los últimos siglos de la Edad Media. Se utilizaron sobre todo en edificios como iglesias y catedrales, durante el periodo histórico que lleva el mismo nombre. El vidrio se fabricaba mezclando arena de sílice, caliza y carbonato de sodio y llevando la mezcla a 1500ºC. Para su coloración se añadían polvos minerales y plantas. -
1212
LITERATURA ROMÁNICA
El período literario románico ocupa dos siglos el XI y el XII y podría alargarse hasta la batalla de las Navas de Tolosa en 1212, aunque en algunas artes pueda entrar más en el siglo XIII. Fundamentalmente es un período literario con una doble vertiente popular y culta que se extiende por toda Europa con una extraordinaria igualdad debido a la comunidad lingüística -el latín hablado- y las órdenes religiosas, que ponían rápidamente en comunicación un país con otro. -
Period: 1400 to
RENACIMIENTO
Siglo XV al Siglo XVI, es la primera vez en la Historia que conocemos, a artistas que firman sus primeras obras, haciéndose famosos y dejando su marca para toda la posteridad. El estilo se caracterizó por ser una vuelta a los Ideales estéticos y elementos clásicos de la Antigua Grecia y Roma, como son los Ideales de Belleza, Proporción y Armonía.
Dominaron la Perspectiva y la Luz, la figura del Ser Humano, la Naturaleza era un elemento infaltable, los temas religiosos, como también mitológicos. -
1445
Botticelli
El gran representante del renacimiento florentino del quattrocento, Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Botticelli.Su estilo no busca el naturalismo. Se inclinó más bien por la delicadeza y la gracia. Quizás por ello se le daban tan bien los retratos femeninos, sobre todo sus madonnas y diosas mitológicas. Mujeres ideales que afianzan sus ideas neoplatónicas, tan de moda en esa época. Protegido de los Medici, pinto mitos de la antigüedad y alegorías paganas. -
1452
Leonardo Da Vinci
Si bien Da Vinci se desempeñó en distintas actividades, ha sido históricamente relacionado con la pintura por la calidad técnica que hacen que ellas sean únicas. La Gioconda –popularmente conocida como “Mona Lisa”- y La Última Cena, son sus dos cuadros más importantes, que lo sitúan como uno de los pintores más aclamados de la historia. Da Vinci tenía una afición con el cuerpo humano, el Hombre de Vitruvio, que es símbolo de la simetría del cuerpo humano. Sus dibujos se consideran muy precisos -
1475
Miguel Ángel
Michelangelo Buonarroti,arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista. Ha sido considerado uno de los más grandes artistas de la historia. Heredero del gran arte de la Florencia de los Médicis, alcanzó toda su gloria como artista con sus grandes creaciones para los papas de Roma, como los frescos de la Capilla Sixtina. Figura culminante del Renacimiento, reflejó en sus obras la crisis de una época que se deslizaba hacia las guerras de religión y la represión de la Contrarreforma. -
1483
Rafael
Aclamado como pintor, diseñador y arquitecto, trabajó para dos de los mayores mecenas de su tiempo, los papas Julio II y León X. Fue también poeta estimable, a la sensibilidad con que abordó los temas de sus pinturas hay que añadir que sus dotes técnicas e intelectuales pudieron florecer gracias a la soltura con que aparentemente se movió en los círculos del poder de Urbino, Florencia y Roma. Su obra más conocida de Rafael, la Escuela de Atenas es un enorme fresco realizado entre 1509 y 1511 -
1541
El Greco
Se formó como pintor de iconos siguiendo los dictados de la tradición artística tardobizantina. En 1567 pasó a Venecia, donde, más que ser discípulo de Tiziano, pudo aprender su estilo desde fuera de su taller el dominio del arte occidental del renacimiento véneto, en su empleo del color, la perspectiva, la anatomía y la técnica del óleo, aunque no abandonara por completo sus usos tradicionales. Frente al artista místico y arrebatado, surgió el pintor esteticista e intelectual, filósofo. -
Period: 1550 to
MANIERISMO
El manierismo significó un progresivo abandono de la proporción de las figuras, de la perspectiva espacial, del uso de líneas claras y definidas y de las expresiones mesuradas y dulces de los personajes renacentistas.
Es un período de transición entre el arte renacentista y el arte barroco de los siglos siguientes.
El concepto de maniera significaba un saber hacer, y además sin esforzarse demasiado por hacerlo. Una sofisticación, por así decirlo, pues se trata de un arte exclusivo de la corte. -
1551
Cervantes
Miguel de Cervantes Saavedra, novelista, dramaturgo, poeta y soldado, a quien se considera el iniciador de la novela moderna por su célebre obra El Ingenioso Hidalgo don Quijote de la Mancha. Es el representante de la genialidad del Siglo de Oro Español y el orgullo de la literatura universal y de las letras castellanas. Su obra Don Quijote a menudo se considera la primera novela moderna y ha inspirado numerosas creaciones en otros géneros y medios. Publicó ocho comedias y ocho interludios -
1564
Shakespeare
William Shakespeare. Dramaturgo y poeta inglés. Solamente con sus versos hubiera ya pasado a la historia de la literatura; por su genio teatral, y especialmente por el impresionante retrato de la condición humana en sus grandes tragedias, Shakespeare es considerado el mejor dramaturgo de todos los tiempos. Su obra, en total catorce comedias, diez tragedias y diez dramas históricos, es un exquisito compendio de los sentimientos, el dolor y las ambiciones del alma humana. -
1576
Tiziano
Tiziano Vecellio fue uno de los mejores pintores de la historia del arte. Era «el sol entre las estrellas». Maestro del retrato o el paisaje, de pintura religiosa o mitológica, pintaba el género que le venía en gana con total virtuosismo. Tiziano fue uno de los soldados culturales de la Contrarreforma. La iglesia católica necesitaba artistas como él para crear la iconografía necesaria para expandir su ideología y este lo aprovechó al máximo para sacarse un dinerillo. -
Period: to
BARROCO
Siglo XVII hasta el Siglo XVIII. “Barroco” es considerado la degeneración del Renacimiento por algunos y su perfección por otros. Empiezan a representar sus obras con un mayor realismo, se dejan de lado las idealizaciones, mayor dramatismo y emoción en sus obras a través de la técnica del claroscuro, marcado contraste de luces y sombras, generaban un carácter más dramático y tenebroso en lo que querían representar. Los temas más comunes en este estilo son los temas cotidianos y mundanos. -
Caravaggio
Michelangelo Merisi da Caravaggio, pintor revolucionario, artista provocador, caracter pendenciero, genio incomprendido, loco violento, atormentado, que crearía él solo un estilo, el barroco.
Su vida transcurrió entre la pintura y las peleas, y en las dos artes era extremadamente bueno. El renacimiento llegaba a su fin y Caravaggio empezó a utilizar técnicas tenebristas. Parece ser que vio el potencial expresivo de las sombras y buscó inspiración en la vida misma, por fea que pudiese parecer. -
Rubens
Quizás la figura más importante del barroco flamenco, Pedro Pablo Rubens fue uno de los mejores pintores de Europa en su época y por ello fue reconocido en vida.
Además fue uno de los primeros artistas en entender el mercado del arte, y creó una especie de factoría en su taller que fabricaba pinturas en cadena.
También ejerció de diplomático en diversas cortes europeas, incluida España, que encargó muchos de sus mejores cuadros.
Rubens (o su taller) pintó más de 3000 obras. -
Velázquez
Es quizás el mejor pintor español de la historia. Su obra fue ampliamente estudiada por maestros de épocas posteriores e influiría en artistas tan dispares como los anteriormente citados Dalí o Manet.
Atraído por la nueva iluminación tenebrista de Caravaggio fue uno de los introductores del estilo en España y por su evidente talento (y quizás un poco de ambición) se convirtió en pintor de la corte de Felipe IV en la que fue la época más esplendorosa de la cultura española (el siglo de oro). -
Rembrandt
Rembrandt van Rijn es el artista más grande de los Paises Bajos. Su figura trasciende la historia del arte para situarse en uno de los nombres más importantes en la historia de la civilización occidental.
Maestro barroco, figura central de la edad de oro holandesa.
Su pintura fue excepcional (es especial sus retratosy autorretratos), su actitud humilde y su conocimiento del ser humano muy acertado, por lo que es uno de los artistas que producen mayor empatía entre sus colegas y sus estudiosos. -
Vermeer
Johannes Vermeer fue el pintor de lo tranquilo, lo silencioso, lo cotidiano, lo iluminado… Todo ello plasmado con sus habituales pinceladas densas y pastosas y sobre todo llenándolo todo con una iluminación, que no solo da un increíble realismo sino que realza el efecto de intimidad e incluso misterio. Se le acusó siempre de usar una cámara oscura, como si los otros grandes del arte no utilizaran todo tipo de artilugios y técnicas para llegar a rascar un poco la belleza. -
Period: to
ROCOCÓ
Esta corriente existió a lo largo del siglo XVIII por toda Europa, pero partió de Francia, cuna de este estilo.
La aristocracia francesa decidieron darle una vuelta de tuerca al barroco, haciéndolo más juguetón y frívolo, menos solemne que el de la época de Luis XIV.
Claramente hedonista buscaba la delicadeza, elegancia, sensualidad y gracia. Todo era menos serio y más sentimental. Todo mucho más lúdico, acorde con una (alta) sociedad en busca de la felicidad.
Es por eso que abunda el erotismo. -
Watteau, Jean-Antoine
Es el auténtico iniciador del Rococó en pintura, debido a las peculiares características de sus creaciones y a la difusión que alcanzaron resulta el mejor impulsor de la estética francesa por un nuevo camino y uno de los artistas más fascinantes de las artes europeas. La armonía de las composiciones, la belleza del colorido y la captación del ambiente natural, aéreo y luminoso, se complementan para conseguir un instante de gozo profundo y fugaz, -
Jean-Honoré Fragonard
Fue uno de los máximos representantes del rococó francés, tanto con la pintura como con el grabado. Su obra supura hedonismo y emperifollamiento, dos de las características básicas del exuberante estilo que él ayudó a modelar. Hedonismo y voluptuosidad. Escenas de amor, cortesanas enseñando el liguero, nobles persiguiendo doncellas y demás mariconadas a las que el pintor supo darles un toque de dignidad con su maestría.Pero con la Revolución francesa el artista ya no era bien visto . -
Marie Louise Élisabeth Vigée Lebrun
una de las pintoras más importantes de su siglo; su trabajo fue muy apreciado por todas las cortes europeas, hasta el punto de que nobles y realeza se disputaban el honor de ser inmortalizados por su pincel. Se dice que la reina María Antonieta, después de ver el primer retrato que le hizo , no quiso que la retratara nadie más. Su obra pictórica, de un estilo dulce y amable y ejecutada con una técnica perfecta, fue pronto olvidada. -
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NEOCLÁSICO
Vuelta al mundo clásico tras el frenesí barroco.
La ilustración se extendió hasta el arte y la razón de la antigüedad greco-romana vuelve a ser un faro por el que guiarse estética y filosóficamente.
vuelve a ponerse de moda la claridad y la sencillez,el dibujo y la forma, sobre el color y la mancha, que dejan de tener valor estético por sí mismos. Se valora la factura impecable, sin pinceladas del autor, se aprecia la temática histórica y mitológica, mejor si estaban basadas en los clásicos -
Jaques-Louis David
Fue el pintor neoclásico francés por excelencia. Inspirado en la antigüedad greco-romana, su arte supura clasicismo, que ligado al clima político y social que le tocó vivir, da lugar a una solemnidad casi religiosa. Su obra no sólo está perfectamente acabada, sino que documenta a la perfección los agitados momentos que vivió su país (y él mismo como protagonista). -
John Flaxman
John Flaxman tenía un auténtico don para el dibujo. Pero no sólo destaca en la ilustración, Flaxman también era un fantástico escultor, alumno de Antonio Canova. El éxito de sus ilustraciones se debe en parte a la simpleza, son dibujos muy lineales y no tienen una ornamentación excesiva, a eso se debe su triunfo, nuestra imaginación hace el resto. -
Giuseppe Sanmartino
Escultor napolitano. Virtuoso, clásico. Sus maestros: Corradini y Queirolo. De ellos sacó ese gusto por el detalle minucioso en su Cristo velado, increíble escultura. Con semejante obra, se creó la leyenda de que el alquimista Raimondo di Sangro había enseñado al escultor la calcificación de los tejidos en cristales de mármol y el escultor adquirió casi superpoderes. -
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ROMANTICISMO
Se origina paralelamente en Alemania y el Reino Unido cuando un grupo de gentes variopintas deciden que ya están hartas de tanto racionalismo e ilustración. El mundo es más bien lo contrario… irracional. No es sereno ni intelectual. Más bien está lleno de sentimientos, de imperfecciones. Y ahí está la gracia.
Vuelve así ese barroco gusto por el drama, y si es con violencia, mejor. Guerras, locura, muerte… Además no está mal aderezarlo con un poco de erotismo.
La libertad individual -
Goya
Francisco de Goya fue uno de los más grandes artistas de la historia. Siempre innovador, consiguió adelantarse a todos y cada uno de los movimientos pictóricos que aparecieron en Europa, desde el romanticismo al surrealismo, pasando por el impresionismo y el expresionismo.
Es por ello considerado el Padre del Arte Contemporáneo. Su producción, con arriesgadas obras, como las geniales Pinturas Negras, que preludian el expresionismo o el surrealismo casi 100 años antes de que este naciera. -
Eugene Delacroix
Fue el gran pintor romántico francés. Quizás el artista más emblemático del movimiento aparecido en el primer tercio del XIX. Adelantado a su tiempo, la influencia de sus estilo se nota en el posterior impresionismo, sobre todo por su audacia y maestría en la utilización del color. En su obra se mezcla la fantasía, lo macabro y lo erótico. Delacroix parece valorar más los sentimientos y emociones que los ideales, paradigma de pintor romántico -
Caspar David Friedrich
Fue un artista prerromántico, que introdujo el romanticismo en Alemania.
Sus paisajes alegóricos, que muestran el valor romántico de lo sublime, ilustran cielos tormentosos, nieblas matinales y ruinas góticas, todo muy del gusto del romanticismo alemán. Su interés principal como artista era la naturaleza, y a veces ubicar al ser humano empequeñecido en contraste con extensos paisajes. Perteneció a esa primera generación de artistas libres, que no pintaban por encargo. -
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REALISMO
Los realistas rechazan lo exageradamente emocional, es decir, lo sentimental. Rechazan lo exótico porque quieren mostrar lo cercano.
Adopta una postura activamente política, denunciando las injusticias sociales y comprometiéndose con las clases bajas y los movimientos políticos de izquierda.
El costumbrismo se convierte en un tema mayor para la pintura, así como el paisaje, y otros géneros como el desnudo eliminan todo idealismo, convirtiéndose en lo que muchos consideraron arte obsceno. -
Gustave Courbet
Se hartó de tanta afectación romántica y junto a otros jóvenes artistas ayudó a crear el realismo, que como su nombre indica, abogaba por mostrar la realidad tal cual es (si es que esto es posible). Al mismo tiempo fue un «hombre de izquierdas» y un comprometido activista democrático, republicano y socialista que rechazó premios y siempre se guió por un espíritu libre y contestatario. Su arte, será uno de los más originales, talentosos e interesantes del arte francés. -
Jean Francois Millet
Con él (y la Escuela de Barbizon, fundada por él) nació el realismo. Un realismo en el que muestra una continua simpatía por los campesinos, por los hombres y mujeres humildes que se ganan el pan con trabajo duro (o quizás en oposición a las ciudades industriales de la época, que en algunos casos no distaban del infierno). La naturaleza era muy importante. Más que representarla, la interpretaba a su manera idealista como comprendiendo «las voces de la tierra, los árboles o los senderos». -
Ilia Yefímovich Repin
Fue uno de los más importantes artistas rusos del XIX, en concreto de ese movimiento que se llamó Peredvízhniki, un estilo realista crítico muy ruso, que contó con el apoyo de las masas (después de todo una de las ideas de Repin y sus colegas de movimiento era la democratización del arte).
Sus obras se enmarcan dentro del realismo, pero al estilo ruso, con esa profundidad psicológica y sin ocultar a veces el descontento social. -
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IMPRESIONISMO
Nace a partir de la segunda mitad del siglo XIX y quiere, a grandes rasgos, plasmar la luz y el instante, sin importar demasiado la identidad de aquello que la proyectaba. Las cosas no se definen, sino que se pinta la impresión visual de estas cosas.Se caracteriza por el uso de colores puros sin mezclar, el hecho de no ocultar la pincelada, y por supuesto darle protagonismo ante todo a la luz y el color. Una misma forma cambia dependiendo de la luz, dando lugar a una pintura totalmente distinta. -
Claude Monet
Monet fue la figura clave del movimiento impresionista. De hecho fue un cuadro suyo el que puso nombre al movimiento.
Sus innovaciones en el estudio del color y la luz causaron tanta admiración como rechazo, pero como bien sabemos, se adelantó lo justo a su tiempo como para ser considerado un innovador y tener éxito al mismo tiempo. -
Eduard Manet
En principio Manet era una especie de neo-tenebrista españolizado, pero en un momento dado (y quizás inspirado por su amigo Baudelaire) descubrió la luz, y su efecto vida urbana moderna. Empieza a desarrollar entonces una atrevida técnica ligera y brillante, que dejó a toda la juventud con la boca abierta y provocó el rechazo de los viejos trilobites. Entre la juventud estaba, por supuesto, toda la tropa impresionista, que encumbró a Manet como líder y gurú. -
Edgar Degas
Pintor y escultor, maestro del pastel y obsesionado por la danza (o más bien por las bailarinas) fue uno de los más célebres artistas vinculados al impresionismo, aunque a decir verdad, se veía a sí mismo como un realista y para él, la verdadera belleza radicaba en el dibujo acabado, algo verdaderamente anti-impresionista. Tampoco le interesó nunca el paisaje como al resto de impresionistas (de hecho, prefería los interiores) y se dedicó casi exclusivamente al estudio del cuerpo humano. -
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POSTMPRESIONISMO
Artistas que trabajaron después del impresionismo, reaccionando contra él en muchos aspectos, y que reúnen las siguientes características:
Asentaron las bases del arte moderno.
Por lo general no fueron apreciados en vida.
Una vez muertos fueron considerados clásicos intocables.
Estilísticamente no hay un rasgo definitorio que una a estos autores, pero en general utilizaron colores vivos, pinceladas poco discretas y unas temáticas basadas en la vida real. -
Paul Cézanne
Paul Cézanne es el padre de la pintura moderna, puente entre el siglo XIX y las nuevas propuestas del XX.
Pero en vida Cézanne fue un pintor ignorado. Arisco y misántropo, apenas expuso y no confió jamás en el mundo del arte. Sólo tendría la admiración de algunos de sus más modernos contemporáneos, y por supuesto el de las nuevas generaciones, como Picasso o Matisse que afirmaron: «Cézanne es el padre de todos nosotros». -
Vincent Van Gogh
Paradigma de pintor atormentado, de genio solitario que no vendió ni un miserable cuadro en vida (hoy su obra tiene un valor incalculable), es verdad que tenía serios trastornos psiquiátricos, pero lo cierto es que fue un pintor muy de su tiempo, que evolucionó de la monocromía típica de la pintura holandesa y del realismo de sus ídolos Millet o Rembrandt, al arte colorido con el que lo identificamos hoy en día, pasando por el inevitable influjo del impresionismo. -
Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa
pintor y cartelista, bohemio, 1,52 m.de altura, minusválido, alcohólico, ave nocturna, provocador, depresivo, sifilítico… Un aristócrata que se consideraba a sí mismo cronista social pintando al pueblo y a la noche de la Belle Epoque parisina, incluidas las prostitutas, que frecuentó y amó. En definitiva, uno de los mejores artistas del arte moderno francés. Dibujante e ilustrador, cartelista de cabarets y espectáculos y demás publicidad. -
Paul Gauguin
Asentó las bases del arte moderno.
Nunca fue apreciado en vida.
Una vez muerto fue considerado un clásico intocable.
Sus pinturas son hoy las más caras de la historia.
Gauguin creó un nuevo lenguaje que después adoptarían los jóvenes vanguardistas: un novedoso y expresivo uso del color, el gusto por la simplicidad del primitivismo, la audaz experimentación en todos los ámbitos y técnicas, la bohemia y la intención de alejarse de lo establecido, lo que se podría calificar de pura subversión. -
Edvard Munch
Pintor de la angustia, del miedo, de la enfermedad, de la muerte… Y precisamente por ello fue precursor del Expresionismo alemán, al que tanto le gustaban estas temáticas sórdidas. En cierto sentido, para Munch eso representaba belleza, intento diseccionar almas» Retrató a la perfección al hombre moderno y su sufrimiento existencial, tan ligado al sexo como a la muerte y que se tradujo en los temas que trató en su pintura: la soledad y la angustia. -
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CUBISMO
El cubismo consiste reconocer la naturaleza bidimensional del lienzo y no recrear la tridimensionalidad (cosa que pretende una figura como el cubo).
Para mirar un cubo, hace falta un sólo punto de vista, y lo que querían artistas como Braque o Picasso, inspirados por Cézanne, es mirar un objeto desde todos los puntos de vista posibles. Para entendernos, es como desmontar una caja de cartón y dejarla completamente abierta en una superficie plana, mostrando todo a la vez, y entrelazado. -
Pablo Picasso
Pablo Ruiz Picasso, arquetipo de «el artista», genio, vital, creador de estilos, una leyenda ya en vida (que él contribuyó a forjar) y sin duda alguna, uno de los más grandes artistas de la historia.
Dejó huella en cada una de sus múltiples etapas de sus períodos azul, rosa o blanco y negro, al cubismo que inventó, después al surrealismo, a la abstracción… y por este inconmensurable talento junto a su ingente producción estamos ante el artista más famoso de la historia del arte. -
Henri Matisse
El gran artista del siglo XX junto a Picasso. Su revolucionario uso del color cambió la pintura y encabezó una de las primeras vanguardias, el fauvismo, del que acabaría evolucionando hacia un arte personal e inclasificable.
Esos colores contrastados junto con la influencia de la escultura africana y otras culturas primitivas serán denominador común de esa etapa del pintor, pero sobre los años 20 el artista se serena un poco y comienza a tender a la sensualidad, el ornamento y la tradición. -
Georges Braque
Braque fue, junto a Juan Gris y Picasso, uno de los representantes clásicos del cubismo. Antes fue pintor de brocha gorda, como su padre, y miembro del fauvismo, que lo fascinó por su modernidad, pero fue conocer la pintura de Cezanne, y sobre todo la carismática figura de Pablo Picasso lo que hizo cambiar definitivamente su estilo. Entre Picasso y Braque consiguieron que el cubismo se asentara como una de las vanguardias más sólidas y evolucionara hacia otros caminos. -
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EXPRESIONISMO
Movimiento de vanguardia surgido en Alemania a principios del siglo XX, se caracteriza por tener un matiz más pesimista, más feo, por así decirlo, ya que los expresionistas alemanes no escatimaron en mostrar lo morboso, lo prohibido, lo obsceno… Deformación de la realidad para expresarla de forma más subjetiva (esa puede ser una definición válida del arte: una deformación de la realidad…). Se quieren mostrar sentimientos, emociones, algo que ilustre la naturaleza y el ser humano. -
Emil Nolde
Fue un importante pintor del expresionismo alemán, miembro destacado de Die Brücke y odiado como ninguno por los nazis, que le dieron un puesto de honor en la lista de artistas degenerados, que como sabemos contaba con la flor y nata del arte moderno. Su arte sorprende sobre todo por su fuerte cromatismo y una gran sencillez de las obras, sin detalles inocuos. Los rostros que retrataba parecen máscaras, no buscaba la belleza precisamente, sino más bien todo lo contrario. -
Ernst Ludwig Kirchner Piper
Fue uno de los padres del movimiento expresionista alemán, al crear el grupo expresionista Die Brücke (El puente) en 1905. Su obra se caracteriza por la simplificación formal y un uso arbitrario del color. Creó una especie de culto a la subjetividad y lo «feo».
Comenzó a pintar de forma autodidacta. Iba a ser arquitecto, pero cuando conoció el grabado de madera (xilografía) su mundo cambió. Dieron paso a una nueva y emocionante fase en la historia del arte: el expresionismo. -
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DADAÍSMO
Sobre el origen del nombre dice que el porte Tristan Tzara abrió un diccionario y encontró esa palabra al azar.
Y ese sea quizás lo más importante del dadaísmo: el caos, el azar… y tirando hacia lo gamberro, hacia lo escandaloso. Nada hacía más feliz a un dadaísta que escandalizar a un burgués.
Dadá es anti-todo. Anti-arte, anti-literatura, anti-dadá incluso…
Dadá es destrucción. Una destrucción creativa si se quiere, pero destrucción. Quizás por ello no duró demasiado como movimiento. -
Marcel Duchamp
Marcel Duchamp es considerado el artista más influyente del siglo XX. Se adelantó al arte conceptual, elevó el objeto cotidiano a categoría de arte y cambió radicalmente la idea de la belleza. En realidad era un gamberro, un punk que convirtió una broma en el dogma que hoy sigue la aborregada comunidad artística internacional. En 1914, Duchamp crea los ready mades, objetos cotidianos separados de su entorno habitual y presentados por el artista como obras de arte. -
Man Ray
Emmanuel Radnitzky, o Man Ray, fue un americano en París. Un dadaísta y surrealista que nunca militó en ninguno de los movimientos pero siempre se mantuvo a la vanguardia de todos ellos. Si en aquellos años todavía se planteaba si la fotografía era arte, Man Ray lo dejó claro: Pionero en la fotografía abstracta (rayogramas, fotos en las que no es necesaria la cámara; solarizaciones, negativos expuestos a la luz…), también cultivó la pintura, la escultura y el cine. -
Hannah Höch
Hannah Höch fue una de las artistas dadaístas que trabajó la técnica del fotomontaje con intenciones plásticas. Fue además una importante activista de los derechos de la mujer, denunciando continuamente una sociedad machista y misógina. 100 años después, la lucha continúa. denunció continuamente las tropelías de una sociedad machista y misógina y habló además abiertamente de la androginia y el amor lésbico, cosa que conocía de primera mano dada su nada oculta bisexualidad. -
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ARTE ABSTRACTO
El arte abstracto es el contrario del figurativo (es decir, la representación de objetos identificables mediante imágenes reconocibles). Por tanto la abstracción no representa «cosas» concretas de la naturaleza sino que propone una nueva realidad.
Es oficialmente Kandinsky el primero en teorizar sobre esto. Los artistas abstractos tiraron (tiran) por dos vertientes diferenciadas: Arte abstracto expresivo: subjetivo y espontáneo,
Arte abstracto geométrico: que pretende ser objetivo y universal, -
Alphonse Allais
Alphonse Allais no solo se adelantó a la abstracción con esta obra, sino al suprematismo, el dadaísmo, el minimalismo o el arte conceptual. Se podría decir que fue él, como literato y humorista, el germen de la vanguardia en Francia.
Recordemos que es el humor quizás la más elaborada, compleja y pura de todas las artes, y aquí vemos un ejemplo del humor de Allais con el que consiguió, consciente o inconscientemente, adelantarse unos años a los Cuadrado Negro y Cuadrado blanco de Malevich. -
Paul Klee
Para Klee la pintura no era una evasión, sino un instrumento visionario. Un medio de encontrar los mundos paralelos que sospechaban que se escondían tras la llamada realidad.
Para ello utilizó un eficaz instrumento: la abstracción. Personaje inclasificable en ninguna de las vanguardias (que frecuentó y en las que tuvo buenas amistades), fue siempre por libre, quizás por ello sea hoy tan actual y fresco, nada desfasado. -
Wassily Kandinsky
Ruso, alemán y después francés, el pintor Wassily Kandinsky fue el gran teórico (y práctico) del arte abstracto, es decir, este arte en el que la representación del objeto es secundaria e incluso perjudicial: la belleza del arte reside en la riqueza cromática y la simplificación formal. Es la representación de lo esencial del arte, no una burda imitación de la naturaleza, que es de por si insuperable.
Sería por tanto, uno de los padres del arte abstracto. -
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SURREALISMO
El surrealismo era un proyecto esencialmente literario, El arte surrealista suele ser incongruente, onírico y muy original.
Como eso del subconsciente es algo tremendamente personal, no hay un «estilo surrealista». Cada autor lo vivía a su manera, pero podemos distinguir en líneas generales dos formas de arte surrealista:
Una automática, espontánea y fluída, con universos figurativos propios.
Una naturalista, con figuración a veces hiperrealista el mundo de los sueños y el inconsciente. -
André Breton
Fue el gurú del surrealismo. Poeta de vocación, se unió al dadaísmo, pero al perder fuelle este movimiento decidió que había que continuarlo mediante una base teórica sólida.
Breton había sido camillero en hospitales psiquiátricos durante la guerra, y ahí conoció tanto la obra de Sigmund Freud como conoció la extraña realidad oculta tras la locura.
Breton quería, con esa locura como herramienta, unir eso de Rimbaud de «cambiar la vida» con eso de Marx de «transformar el mundo». -
Maruja Mallo
Fue una de las principales artistas de la Generación del 27 española y una importantísima creadora que viajó por todo el mundo, vivió noches de juerga y poesía surrealista con Dalí, Lorca o Alberti. Como artista cultivó un surrealismo muy especial. Su estilo pasó por dos etapas diferenciadas, una colorista en los años 20 con temáticas mágicas, cosmopolitas y optimistas; y otra sombría y apagada en los 30, más caótica y desequilibrada. Recuperará equilibrio y armonía,en la pintura figurativa. -
Luis Buñuel
Buñuel tenía 29 años (fue su primera peli) y Dalí 25. Ambos decidieron hacer un cine experimental, surgido lo más directamente posible del subconsciente. Buñuel declaró: «Escribimos el guión en menos de una semana, siguiendo una regla muy simple: no aceptar idea ni imagen que pudiera dar lugar a una explicación racional, psicológica o cultural».
El guión plasmaba las primeras imágenes que les venían a la mente a los dos jóvenes, entre ellas la famosa navaja en el ojo. -
Salvador Dalí
«El surrealismo soy yo…» Y lo más surrealista es que es una afirmación probablemente cierta. Salvador Dalí fue quizás el surrealista más popular y uno de los máximos exponentes mundiales del arte contemporáneo. Ya fuera un genio o un artista estrafalario, su legado no pasa inadvertido incluso hoy en día y no podemos más que maravillarnos con la perfección técnica y el imaginativo contenido de su arte.
Su creatividad abarcó el cine, la escultura, el diseño (el logo de chupa-chups) y la escritura.