Historia de la Música

Futurismo

1978 BCE

Fue uno de los movimientos iniciales de vanguardia en la Europa del S. XX. Esta corriente artística fue fundada en Italia por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, quien redacta el Manifiesto Futurista. Buscaba la ruptura con las tradiciones artísticas del pasado y los signos convencionales de la historia del arte, enaltecer la vida contemporánea por medio de dos temas principales: la máquina y el movimiento. Los principales compositores itali: Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo.

Jazz fusion y jazz rock

1970 BCE

El lanzamiento en 1970 de Bitches Brew, un álbum de Miles Davis que contaba con Tony Williams, Wayne Shorter o John McLaughlin, supuso una nueva revolución en el sonido del jazz, por la instrumentación y los esquemas rítmicos más cercanos al rock y marcando el inicio de un nuevo género que recibiría posteriormente la denominación de jazz fusion.
Las nuevas bandas de jazz rock reemplazaron el contrabajo por el bajo eléctrico y donde la guitarra o el órgano abandonaban la sección rítmica.

Soul

1955 BCE

Originario de Estados Unidos, combina elementos del góspel y del rhythm and blues.
De acuerdo con el Rock and Roll Hall of Fame, el Soul es un tipo de «música que surgió de la experiencia de la comunidad afrodescendiente en América a través de la transmutación del góspel y del rhythm & blues en una forma de declaración funky y secular».
Los ritmos pegadizos, acentuados por palmas y movimientos corporales espontáneos, son un importante elemento del soul.

Música electrónica y concreta

1950 BCE

En Francia se desarrolló la música concreta que producía sonidos existentes en el mundo. Se llama concreta porque según Pierre Schaeffer, su inventor, planteaba que está producida por objetos concretos y no por los abstractos que serían los instrumentos musicales tradicionales. En 1951, Schaeffer, junto a Pierre Henry, crearon el Grupo de Investigación de Música Concreta en París.

Pop music

1950 BCE

La música pop (del inglés pop music, contracción de popular music) es un género de música popular que tuvo su origen a finales de los años 1950 como una derivación del rock and roll, en combinación con otros géneros musicales que estaban de moda en aquel momento. Los términos música pop y música popular se usan a menudo de manera indistinta, aunque el segundo tiene un sentido más amplio al dar cabida a otros géneros distintos del pop que se consideren populares.

Bebop

1942 BCE

El nacimiento del estilo tuvo lugar en 1941 cuando Dizzy Gillespie, Milt Hinton, Charlie Parker, Thelonious y Kenny Clarke se reunieron en el Minton's Playhouse de Nueva York para una serie de conciertos informales. Dizzy Gillespie fue uno de los líderes del movimiento, con un estilo trompetístico que resumía perfectamente las características de la nueva música y una serie de temas que entraron a formar parte del repertorio básico de los músicos bop, como "A Night In Tunisia" o "Salt Peanuts".

Música minimalista

1940 BCE

Philip Glass (1937) fue uno de los iniciadores del movimiento minimalista en Estados Unidos, y es actualmente uno de los compositores doctos más famosos del mundo. Deseaban hacer la música accesible para los oyentes comunes, expresando cuestiones específicas y concretas de la forma dramática y musical, sin ocultarlas bajo la técnica, sino más bien haciéndolas explícitas, volviendo a las tríadas mayores y menores de la música tonal, pero sin utilizar la funcionalidad armónica tradicional.

James Brown

1935 BCE

Brown y Bobby Byrd (la persona que más le ayudó por esos años difíciles) formaron un grupo del gospel que pronto se transformó en una banda de soul, The Flames. Brown tocaba el piano y la batería y también cantaba junto a Byrd. Lanzaron su primer disco "Please, Please, Please" que vendió un millón de copias. Otra balada "Try Me" fue el éxito a nivel nacional del grupo, llegando al número uno en las listas de 1958. James era el miembro más carismático del grupo y pronto creó su propia banda.

Free jazz

1932 BCE

El free jazz prescindió de elementos hasta entonces esenciales en el jazz, como el swing, el fraseo o la entonación, abriéndose además a influencias de músicas del mundo y politizándose de forma muy ostensible. En los primeros años sesenta se asistió a una, aparentemente, irresistible ascensión del free jazz que, paralelamente, recibió una ingente cantidad de rechazos resumibles en una sola frase: «Esto no es música».

Neoclasicismo

1930 BCE

Movimiento del s. XX que retomó una práctica común de tradición en cuanto a la armonía, al melodía, la forma, los timbres y los ritmos, pero mezclada con grandes disonancias atonales y ritmos sincopados, como punto de partida para componer música. Ígor Stravinski, Paul Hindemith, Serguéi Prokófiev, Dmitri Shostakóvich y Béla Bartók son compositores importantes usualmente mencionados en este estilo, pero también el prolífico Darius Milhaud y sus contemporáneos Francis Poulenc y Arthur Honegger.

Soul Jazz y Funk jazz

1921 BCE

Íntimamente relacionado con el hard bop, se desarrolló un estilo de jazz, quizás más específicamente una forma de tocar jazz, basada en la utilización de estructuras blues en tempo lento o medio, con un "beat" firme y sostenido, con emoción interpretativa, que se dio en llamar funky o, más tarde, soul jazz.

Jazz de Chicago y New York

1920 BCE

En Chicago se desarrolló un estilo más crudo y dinámico, con un lenguaje escueto y lacónico, económico en recursos, bañado «en una atmósfera exasperada, de un dinamismo acalorado, de una rígida tensión hot». El sonido perdió plasticidad al ajustarse la afinación por influencia de los músicos blancos y abandonarse la des sincronización propia de la rítmica africana pero, se desarrolló enormemente el concepto de improvisación individual y las melodías paralelas.

La era del swing

1918 BCE

El estilo toma su nombre de una de las características del nuevo jazz: el swing como elemento rítmico. Se trató de una operación comercial de los agentes de Benny Goodman, que dirigía una de las bandas más populares de la época, al designarlo como "Rey del swing". Esto llevó al público, pero también a muchos críticos, a creer que "swing" era el tipo de música que hacía esta banda, consolidándose el nombre.

Blues

1910 BCE

EUA, Misisipi, 1900, en un barrio llamado storyville (abarrotado de locales de música en directo), los esclavos compraban instrumentos a los militares estadounidenses. estos esclavos no tenían conocimientos musicales y tocaban los instrumentos simulando la voz humana. con ello desarrollaron nuevas técnicas. así empezaron a surgir las primeras bandas. antaban los llamados hollers, worksongs o "canciones de trabajo" que más tarde se convertiría en todo un género musical, el blues.

Dixieland

1897 BCE

A poco tiempo de comenzar el s. XX los blancos y criollos pobres del Delta del Misisipi comenzaron a interesarse por el Hot y su influencia produjo algunas variaciones en la forma de tocar de las bandas de Nueva Orleans: se desarrollaron más las improvisaciones, se agilizaron los tempos y se buscaron estructuras rítmicas menos "africanas".
El nuevo estilo era "menos expresivo, pero con mayores recursos técnicos", con melodías más pulidas y armonías "limpias".

Jazz New Orleans

1895 BCE

All fin del s. XIX, ya existían algunas bandas que tocaban algo parecido a un jazz rudimentario.
«estilo Nueva Orleans» a esta forma inicial del jazz. Las improvisaciones, en el sentido que hoy las conocemos, no existían; de hecho, los solistas elaboraban largas variaciones melódicas sobre el tema principal (usualmente integrado por dos canciones diferentes), en tempos muy lentos o medios, nunca rápidos.

Impresionismo

1880 BCE

Es un movimiento musical, más en la música francesa, con la necesidad de los compositores de probar nuevas combinaciones de instrumentos para conseguir una mayor riqueza tímbrica.
Se caracteriza porque los tiempos no son lineales.
Se relaciona de esta manera con el Impresionismo pictórico, que conseguía las imágenes mediante pequeñas pinceladas de color. Principales compositores de este movimiento son Claude Debussy y Maurice Ravel. También:
Erik Satie
Joaquín Rodrigo

Música Popular

1880 BCE

La música popular, se refiere a una serie de géneros musicales que tienen un gran atractivo y que generalmente son distribuidos a grandes audiencias a través de la industria de la música. Esto está en contraste tanto con la música culta, como con la música tradicional, las cuales normalmente se difunden académicamente o por vía oral, a audiencias locales, o más pequeñas. La aplicación original del término fue adoptada en la década de 1880 en el período conocido como Tin Pan Alley en EUA.

NACIONALISMO

Period: 1880 BCE to 1950 BCE

La música nacionalista nace a la luz de un movimiento político que lleva su misma denominación y que tiene como finalidad lograr la independencia o unificación de un determinado territorio o territorios, que mantienen una unidad geográfica, cultural, linguística o folclórica. El hecho de que lleven el mismo nombre tanto el movimiento político como el musical no es casual.
La música nacionalista desaparece cuando las ansias nacionales han sido satisfechas o se han disipado.

Franz Liszt

1870 BCE

Hungría [1811-1886] Compositor y pianista de origen húngaro.
Estudió piano con Czerny y composición con Salieri.
Tuvo un gran éxito como pianista.
Con él nació el moderno, romántico y efusivo virtuoso del piano. Su composición se vió influida por la virtud del intérprete, por tal motivo, su catálogo denota cierta falta de unidad estilística. Fue un importante innovador de las formas y creó el poema sinfónico dando forma definitiva a la rapsodia.

Louis Hector Berlioz

1845 BCE

( Francia, 1803 - París, 1869) Compositor francés. El Romanticismo tiene en Hector Berlioz una de sus figuras paradigmáticas: su vida novelesca y apasionada y su ansia de independencia se reflejan en una música osada que no admite reglas ni convenciones y que destaca, sobre todo, por la importancia concedida al timbre orquestal y a la inspiración extramusical, literaria. No en balde, junto al húngaro Franz Liszt, Berlioz fue uno de los principales impulsores de la llamada música programática.

Músicos virtuosos del romanticismo

1840 BCE

Ampliaron las formas y estructuras establecidas en la época anterior, resultando formas musicales largas como la forma cíclica y la música programática. Es una época de mejoras en la tecnología y calidad de los instrumentos, como la adición de válvulas de latón. Los compositores hacen un amplio uso de la expresividad y experimentaron con la tonalidad, en particular con el mayor uso de los cromatismos y la disonancia.

Niccolo Paganini

1835 BCE

Nacido en Génova, no sólo fue el mayor virtuoso del violín, sino que significa la incorporación del virtuosismo en el instrumento como un elemento más del arte musical.
Composiciones destacadas fueron las atrevidas variaciones de Le streghe (1813), la imaginativa 24 Caprices op.1 y el 2º y 3º conciertos de violín. Después de conquistar Viena en 1828, triunfó igualmente en Alemania (Goethe, Heine y Schumann fueron admiradores suyos), París y Londres (1831 - 1834).

Chopin

1830 BCE

Fryderyk Franciszek Chopin (Szopen) (1810 - 1849) fue un compositor y virtuoso pianista polaco-francés considerado como uno de los más importantes de la historia y uno de los mayores representantes del Romanticismo musical. Su perfecta técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica han sido comparadas históricamente, por su perdurable influencia en la música de tiempos posteriores, con las de Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Johannes Brahms o Franz Liszt.

El piano

1820 BCE

El piano en el Romanticismo fue fundamental para el desarrollo de la creación musical. Se convirtió en el laboratorio de nuevas propuestas estilísticas y en interfaz entre el artista y su creación, generando una literatura propia, que lentamente se va diferenciando de sus antepasados de teclado, sea el clave o el órgano, descubriendo nuevas sonoridades y posibilidades. Casi todos los compositores desde el s. XIX y hasta nuestros días, han compuesto al menos parte de su obra para ese instrumento.

Franz Schubert

1815 BCE

Austria [1797-1828] Da origen a un movimiento romántico que se extendió por Europa. Escribió por placer alcanzando la felicidad en la creación. Su principal aporte fue renovar el repertorio de los Heder con unas 600 canciones, algunas emplazadas en ciclos como El viaje de invierno, La bella molinera o El canto del cisne.
Compuso obras para piano, cuartetos de cuerda, música para distintos conjuntos de cámara y para el medio sinfónico. Su estilo acentuó lo subjetivo y poético.

ROMANTICISMO

Period: 1800 BCE to 1880 BCE

Los músicos expresaban en sus composiciones sus ideales de libertad, sus sentimientos y sus emociones.
El instrumento preferido era el piano y de modo más complejo las grandes orquestas sinfónicas.
La inspiración de los músicos provenía de temas populares, de lugares exóticos, de tiempos lejanos, de romances medievales, de temas amorosos.
Los músicos virtuosos estuvieron muy de moda en la época romántica. Se les llamaba virtuosos porque tocaban los instrumentos con muchísima habilidad

Ludwig Van Beethoven

1790 BCE

Beethoven es un compositor alemán que nació en el año 1770. Creció en el seno de una familia de origen flamenco, su padre, ante las evidentes cualidades para la música que demostraba el pequeño Ludwig, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque con escaso éxito. La verdadera vocación musical de Beethoven no comenzó en realidad hasta 1779.
En 1792 Beethoven viajó de nuevo a la capital austriaca para trabajar con Haydn y Antonio Salieri.

Mozart

1770 BCE

Compositor austríaco nacido en Salzburgo en 1756. A la edad de seis años, Mozart ya era un intèrprete avanzado de instrumentos de tecla y un eficaz violinista, al mismo tiempo que demostraba una extraordinaria capacidad para la improvisación y la lectura de partituras.
Aún hoy en día se interpretan cinco pequeñas piezas para piano que compuso a aquella edad.

Antonio Soler

1765 BCE

1729 – 1783
Antonio Soler y Ramos (Olot, 3 de diciembre de 1729 – San Lorenzo de El Escorial, 20 de diciembre de 1783) fue un compositor y clavecinista español, representante de la escuela española de música para teclado del siglo XVIII, y seguidor de la corriente musical introducida en España por el italiano Domenico Scarlatti.

Franz Joseph Haydn

1760 BCE

Franz Joseph Haydn, conocido simplemente como Joseph Haydn (Rohrau, cerca de Viena, Austria, 31 de marzo de 1732-Viena, 31 de mayo de 1809) fue un compositor austriaco. Es uno de los máximos representantes del periodo clásico, además de ser conocido como el «padre de la sinfonía» y el «Padre del cuarteto de cuerda» gracias a sus importantes contribuciones a ambos géneros. También contribuyó en el desarrollo instrumental del trío con piano y en la evolución de la forma sonata.

Sonata

1760 BCE

Del latín "sonanta": música para ser sonada. “La Sonata en el barroco”:
En el Barroco se van a dar tres tipos de sonatas características:
• Sonata a sólo. Para un único instrumento.
• Sonata a dúo: Para dos instrumentos como el violín y bajo continuo.
• Sonata a Trío: Para tres instrumentos como la flauta, el violín y el bajo continuo. A principios del siglo XVIII, se impone un nuevo estilo denominado: Style Galant (“buen gusto”). En esta época se impondrán las Sonatas a sólo.

La era de los castrati y el concierto solista

1750 BCE

El tránsito al siglo XVIII coincide con el desarrollo de un nuevo estilo de ópera -la ópera napolitana- orientada al espectáculo y basada en el imperio de las voces de las prime donne y los castrati.
Nuevo género que se convirtió, bajo la denominación de ópera seria, en la marca operística que dominará Europa hasta la Revolución Francesa.
Estos cambios estilísticos pueden observarse también en los géneros orquestales y solistas.

CLASICISMO

Period: 1750 BCE to 1800 BCE

La época clásica fue un periodo culminante de organización y ordenamiento musical.
Los músicos pasaron de ser empleados de la nobleza cortesana a profesionales libres.
La música clásica se desarrolló en Europa, principalmente en Alemania y Austria, después del período barroco. Los compositores más notables de la música clásica fueron Stamitz, Gluck, CPE Bach, J. C. Bach, Beethoven, Haydn y Mozart.

La sinfonía

1745 BCE

Sinfonía (del griego, syn, ‘juntos’; phone, ‘sonido’), en música, composición orquestal que suele constar de cuatro secciones contrastantes llamadas movimientos y, en algunas ocasiones, tiempos. La denominación se aplicó por primera vez en el siglo XVI a los interludios instrumentales de formas como la cantata, la ópera y el oratorio. Un ejemplo es la ‘Sinfonía pastoral’ del oratorio El Mesías (1742) de Georg Friedrich Händel. La sinfonía en su sentido moderno surge a comienzos del siglo XVIII

Haendel (el mesías)

1740 BCE

Georg Friedrich Händel, con 51 años, una de sus mejores obras, El Mesías. una tarde del 13 de abril de 1737, en el domicilio del compositor en Londres, en el 25 de Brool Street. Un estruendo retumbó en el hogar.
El Mesías es un oratorio compuesto por él mismo, en 1741. Mientras que en los demás oratorios de Händel puede reconocerse una marcada influencia italiana, la música de El Mesías se arraiga en las antiguas pasiones y cantatas alemanas.

Johan Helmich Roman

1730 BCE

Se unió a la capilla real en 1711 como violinista y oboe. Alrededor de 1715 el rey concedió permiso a Roman para estudiar en el extranjero, y el joven compositor pasó unos seis años en Londres. Es casi seguro que estudió con Johann Christoph Pepusch, se reunió con Francesco Geminiani, Giovanni Battista Bononcini, y sobre todo, con Georg Friedrich Händel, del cual fue segundo violín en la Royal Academy of Music, y cuya música dejó una impresión duradera en Roman. Roman volvió a Suecia en 1721.

Johan Sebastian Bach

1721 BCE

(Eisenach, actual Alemania, 1685-Leipzig, 1750) Compositor alemán. Considerado por muchos como el más grande compositor de todos los tiempos. Durante los últimos veintisiete años de su vida fue Kantor de la iglesia de Santo Tomás de Leipzig. A esta etapa pertenecen sus obras corales más impresionantes, como sus dos Pasiones, la monumental Misa en si menor y el Oratorio de Navidad.
Una colección de seis conciertos que Johann Sebastian Bach presentó en 1721 es llamada Conciertos de Brandeburgo.

Antonio Vivaldi

1720 BCE

Antonio Lucio Vivaldi,1 (Venecia 1678- Viena 1741)
Fue un compositor, violinista, profesor y sacerdote católico.
Se trata de una de las figuras más relevantes de la historia de la música.
Él cimentó el género del concierto, el más importante de su época. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan más de 400 conciertos y cerca de 46 óperas. Es especialmente conocido, a nivel popular, por ser el autor de la serie de conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones.

Clave

1710 BCE

El clave (también llamado clavicémbalo, cémbalo, gravicémbalo, clavecín o clavicímbalo) es un instrumento musical con teclado y cuerdas pulsadas, como el arpa y la guitarra. El clave, muy conocido y utilizado durante el Barroco.
Se cree que derivó del salterio griego (psalterion), aunque su invención se da durante el Renacimiento, a mediados del siglo XV y XVI.

La cantata

1690 BCE

La cantata tiene su origen a principios del siglo XVII, de forma simultánea a la ópera y al oratorio. El tipo más antiguo de cantata, contenía varias secciones en formas vocales contrapuestas, como son los recitativos y las arias. Entre los compositores italianos que escribieron estas obras están: Giulio Caccini, Claudio Monteverdi y Jacopo Peri.

Ópera

1650 BCE

La ópera barroca abarca desde principios del siglo XVII hasta mediados del XVIII,
El barroco, en pintura, escultura y en el arte en general se identifica con la inestabilidad, ya que la sociedad era así: inestable, En la ópera, lo de menos era el realismo, lo importante es que fuera sorprendente, espectacular y recargada, y así también el canto. Cuanto más ornamentado fuera, mejor: las coloraturas que se encuentran en muchas óperas barrocas también refuerzan la característica de inestabilidad

Gospel

1630 BCE

La música góspel, como lo indica su nombre (en inglés gospel significa evangelio), es un género que sigue las huellas de los “spirituals”, los cantos religiosos que los esclavos negros solían entonar en las plantaciones del sur de los Estados Unidos ya a partir del siglo XVII.
Así surgieron numerosas iglesias que eran frecuentadas exclusivamente por los afroamericanos. Cuando estos se reunían, entonaban cantos religiosos inspirados en las escrituras del evangelio. Así nació la música góspel.

BARROCO

Period: 1600 BCE to 1750 BCE

Durante la época barroca la música vivió una edad de oro. En cualquier acontecimiento social había música.
La música era muy adornada y, a veces, muy complicada de interpretar, destacando muchos músicos virtuosos.
Se interpretaba música en teatros, iglesias o salas palaciegas.
Además, unieron con tal maestría la literatura con la música, que crearon un género musical nuevo: la ópera.

Tomás Luis de Victoria

1565 BCE

1548-1611 España
A los veinte años fue enviado a Roma con una pensión de Felipe II, para ingresar como cantor en la capilla del Colegio Germánico que los jesuitas crean para combatir el protestantismo. PRINCIPALES OBRAS:
• Missa pro Victoria (escrita para conmemorar la batalla de San Quintín).
• Alma Redemptoris Mater.
• Missa Ave Regina coelorum.
• Missa Pange Lingua.
• O vos omnes (motete).
• Missa Ave María Stella.
• Officium Hebdomadae Sanctae – 1585
• Oficium Defunctorum – 1605

Andrea y Giovani Gabrieli

1560 BCE

1510-1586 y 1557-1612 Italia
PRINCIPALES OBRAS:
Andrea Gabrieli:
Canciones Sagradas – 1565
Primer libro de Misas – 1572
Madrigales a tres – 1575
Primer libro de Canciones Eclesiásticas – 1576
Salmos a David – 1583
Coros de Edipo Rey (para la inauguración del Teatro Olímpico de Vicenza) – 1585 Giovanni Gabrieli: Concerti – 1587
Sinfonía Sagrada – 1597
Sinfonías Sagradas – 1615

Orlando Di Lasso

1560 BCE

1532-1594 Bélgica-Francia PRINCIPALES OBRAS:
Primer ciclo de motetes – 1556
Segundo ciclo de motetes – 1562
Bicinia – 1577
Psalmi David i poenitentiales – 1584
Tricinia – 1588
Cantiones sacreae sex vocum – 1594
Lagrime di San Pietro (edición póstuma) – 1595
Prophetiaes Sybillarum chromatico more (edición póstuma) – 1600
Magnum opus musicum (edición póstuma) – 1604

Bajo Renacimiento

1550 BCE

Se desarrolla durante la segunda mitad del siglo XVI.
Italia se convierte en el país más importante musicalmente hablando, las innovaciones más interesantes vendrán dentro de la música profana; sin embargo, las dos figuras más destacadas en este periodo se dedicarán a la música religiosa, y son Giovanni Pierluigi Palestrina y el español Tomás Luis de Victoria. Los géneros más importantes siguen siendo el motete y la misa.

Giovanni Perluigi Da Palestrina

1540 BCE

1525-1594 Italia
Compositor italiano de música sacra, género para el que compuso 102 misas, unos 300 motetes y 133 madrigales con textos profanos. PRINCIPALES OBRAS:
Primer libro de madrigales a cuatro voces – 1555
Missa Papae Marcelli – 1563
Repleatur os meum – 1570
Primera colección de madrigales espirituales – 1581
Cánticos de Salomón – 1583
Stabat Mater – 1590

Alto Renacimiento

1500 BCE

Comprende la segunda mitad del siglo XV y primera del XVI. Los músicos franco-flamencos se extienden por Europa, cada territorio acoge las novedades musicales y las adapta a su estilo compositivo. Se crean, por lo tanto, los denominados estilos nacionales. En Italia el género que más se cultivará será el madrigal; en Alemania se desarrollará el lied (canción) y en Francia destaca la chanson.

Los primeros teatros

1461 BCE

En Europa, el Renacimiento influenció con fuerza la pintura, la escultura y la arquitectura.
Artistas del estilo de Titian, Holbein, Rafael, Durero, Leonardo da Vinci, Brueghel, Botticelli y Miguel Ángel estaban en furor, quienes crearon nuevas visiones y formas realistas de representarlas.
En Gran Bretaña, surgieron la literatura y el drama, especialmente como resultado de las obras del dramaturgo William Shakespeare.

Primer Renacimiento

1450 BCE

Comprende la primera mitad del siglo XV. Conocido también como el periodo franco-flamenco, ya que los duques de Borgoña (que poseían territorios en los Países Bajos, Bélgica, parte de Francia y Luxemburgo) actuaron como mecenas de un grupo de artistas que se convertirán en los más importantes de esta época.
Entre los compositores más destacados de esta etapa podemos nombrar a Dufay, Ockeghem y Desprès. La mayor parte de la música de estos autores será religiosa (misas y motetes).

RENACIMIENTO

Period: 1400 BCE to 1600 BCE

La música fue evolucionando. Ahora, además de en los monasterios y en las catedrales, también había música en los palacios de los reyes y de la nobleza cortesana.
Los temas tratados ya no eran sólo religiosos; ahora se canta también a la persona amada, dándole un aire caballeresco y cortés.
Los compositores e intérpretes brillantes eran muy valorados.
La música vocal, la instrumental y la dramatización se fueron mezclando cada vez más, dando origen a los primeros teatros musicales.

Juglares

1190 BCE

Un juglar era un artista ambulante en la Europa medieval. A cambio de dinero o comida, ofrecía su espectáculo callejero en las plazas públicas, y en ocasiones era contratado para participar como atracción y entretenimiento en las fiestas y los banquetes de los reyes y nobles.
Suele asociarse al trovador con el autor (creador), y al juglar con el actor (intérprete). Así pues, detrás del juglar ha de situarse la personalidad del trovador occitano y catalán, o el «minnesänger» alemán.

Los Trovadores

1180 BCE

Los trovadores, personajes mayoritariamente de la nobleza, con sus canciones amorosas sobre todo, pero también con sus composiciones de propaganda política, sus debates y, en definitiva, con su visión del mundo, muestran el inicio de una historia cultural y política con una variedad que no se encuentra en ningún otro documento de la época.
Entre 1110 y 1280 se registran unos 450 trovadores de idioma occitano.
De algunos trovadores únicamente se incluían las poesías sin ninguna otra referencia.

La mano guidoniana

1033 BCE

Un monje italiano, Guido de Arezzo, fue muy importante porque:

1. Dio nombre a cada nota de la escala a partir de la primera sílaba de cada verso de un himno.
2. Inventó la actual escritura musical, situando notas sobre líneas paralelas y horizontales.
3. Convirtió su mano en un "mapa" de notas y escalas para enseñar música.

Canto Gregoriano

800 BCE

El Papa Gregorio I dio su nombre a este tipo de repertorio musical
Durante el siglo IX se produjeron hechos significativos: La acción unificadora, por parte de la Iglesia Católica , de las diversas tradiciones litúrgicas y de canto religioso, suprimiendo muchas de ellas en favor de la liturgia gregoriana y el canto gregoriano.
La aparición de la polifonía , concretamente del organum, un tipo de polifonía en movimiento paralelo.
La reinvención de la notación musical.

Antifonario

500 BCE

El libro llamado Antifonario fue copiado y aprendido en todos los monasterios de la cristiandad para olvidar las antiguas liturgias de origen pagano.
Los monjes debían aprender todos esos cantos del antifonario y usarlos en el Oficio Divino, cantando sentados en las sillas del coro. Los que tenían mejor voz y afinaban correctamente formaban la schola del monasterio, encargada de los cantos más complicados y de enseñar las melodías a otros monjes y fieles.

Canto ambrosiano o canto milanés

300 BCE

El canto ambrosiano o canto milanés es un repertorio litúrgico de canto llano de la Iglesia católica, que se desarrolló en la zona de la actual Milán (Italia) en torno al siglo IV.
El canto ambrosiano es música vocal monódica, sin ningún tipo de acompañamiento instrumental. La rítmica del canto viene determinada por el texto, no existe un ritmo determinado que sea escrito independientemente para su melodía. Mientras que en el canto gregoriano predominaba una estructura rítmica uniforme.

EDAD MEDIA (oscurantismo)

Period: 400 to 1400 BCE

En la Edad Media, la música estaba muy vinculada a la religión.
Predominaba el canto sobre los instrumentos, especialmente el canto gregoriano, en iglesias y monasterios.