Histoire de l'art timeline.

Period: 5500 BCE to 3100 BCE

Périodes prédynastiques
Period: 3500 BCE to 331 BCE

Premières civilisations
3300 BCE

Apparition des tablettes cunéiformes

Les tablettes cunéiformes, une des premières formes d'écriture connues contiennent majoritairement des textes administratifs, ils permettent donc de comprendre l'organisation de la société, mais rien sur son histoire ou sa religion. Les premières traductions ont eu lieu au XIXe s. par des épigraphistes.
3200 BCE

Stèle de la chasse au lion

Cette stèle en balzate, conservée au musée national d'Irak représente deux personnages, armés d'un arc et d'un pieu, chassant des fauves, l'un possède un serre-tête, une barbe et une robe, il est identifié comme une figure d'autorité, puisque ce sont les attributs caractéristiques du roi-prêtre. La chasse au lion est une prérogative royale, une étape obligatoire puisque le lion était un symbole du Mal.
3000 BCE

Plaque perforée de Ur Nasha

Il s'agit d'une plaque de terre cuite perforée, une innovation de cette époque, dans lesquelles ont représente des batailles, des cérémonies, des banquets ou des rituels religieux. Celle-ci représente l fondateur de la dynastie Lagash, qui construit un temple puis assiste à un banquet avec sa famille, l'écriture cunéiforme légende la scène tout autour.
3000 BCE

Grand vase d'Uruk

Ce vase en albâtre de 95 cm de haut pour 36 cm de diamètre, conservé au musée de Bagdad, a été retrouvé à Inanna, il se compose de 4 registres : une frise végétale et ligne d'eau, des animaux, des porteurs d'offrandes, et enfin, sur le registre supérieur, le roi prêtre et des divinités, qui sont représentés plus grands.
Period: 2900 BCE to 2330 BCE

Dynasties archaïques

Il s'agit d'une suite de trois dynasties qui se succèdent, c'est de cette époque que date l'instauration des cités-états d'Uruk, Akkad, Kish, Umma, Lagash, Ur, Summer et Addad, qui s'affrontent constamment. L'écriture cunéiforme se répand lors de la première dynastie, entre 2900 et 2700 BC. On a trouvé peu de vestiges architecturaux datant de cette époque, on ne connait donc les bâtiments qu'à travers leurs écrits.
Period: 2700 BCE to 2200 BCE

Ancien Empire Egyptien

C'est la période de l'art égyptien la plus foisonnante, dans tous les arts : la céramique, la métallurgie, l'architecture et le travail de la pierre. Elle contient les IIIe et IVe dynasties.
2570 BCE

Les pyramides de Khéops, Khephren et Mykérinos

Les pyramides servaient de lien entre le monde des vivants et celui des morts, il s'agissait des tombeaux des pharaons. La plus célèbre, qui faisait partie des sept merveilles du monde antique était celle de Khéops, qui atteignait des proportions considérées comme idéales : 146.6 m de haut, avec une pente entre 51 et 52°. Le site contient aussi trois pyramides plus petites pour les épouses, elles communiquaient entre elles par un réseau de galeries. Le sphynx est tourné vers le delta du Nil.
2500 BCE

Etendard d'Ur

L'étendard d'Ur raconte la bataille d'Ur, ainsi que le banquet qui suit. Il ne comporte pas d'écriture cunéiforme et les registres sont séparés par des frises. Il est constitué d'une mosaïque de coquille, de bitume, d'incrustations de cornaline et de lapis lazuli
2500 BCE

Stèle des vautours

Cette stèle représente la bataille qui opposa Lagash et Emma, c'est la manière à l'époque de raconter l'histoire et de faire de la propagande. Les écritures sur la stèle rappellent les raisons de la bataille et son déroulement. On y voit des vautours mangeant les cadavres, le prince à la tête de ses troupes. La stèle a été retrouvée à Tello au fin du XXe s.
2400 BCE

Statue de l'intendant Ebih-il

Il s'agit d'une statue en gypse, dont les yeux sont incrustés en lapis lazuli, son appartenance à une divinité est signifiée par son crâne chauve. Il porte également un kaunakès, jupe à franges de cérémonie typique de cette époque.
2400 BCE

Plaque du prêtre Dudu

Cette plaque est séparée en quatre parties inégales, un personnage à droite occupe deux registres, sans doute le prince de Lagash Ningirsu, de l'autre côté, il y a un veau couché et un aigle à tête de lion. Sur le registre inférieur, on voit un motif de tresse qui pourrait représenter l'eau.
Period: 2350 BCE to 2200 BCE

Epoque d'Akkad

Les rois Sargon d'Akkad, Rimush, Manishtusu, Naram-Sin, Sar kali Serri se succède à cette époque, et l'empire couvre toute la Mésopotamie et le sud de la Syrie, créant un système politique paisible et durables. Sargon est celui qui a le plus d'impact, il unifie la religion autour d'un panthéon unique et devient légendaire. l'administration est également très organisée et hiérarchisée à l'époque.
2250 BCE

Disque d'Enheduanna

Enheduanna était la première poétesse au monde, elle raconte ici une victoire de Sargon, où il porte un kaunakès et est suivi par quatre autre personnes.
2230 BCE

Stèle de Naram-Sin

La stèle montre le roi glorieux, écrasant ses ennemis, les tribus des montagnes Zagros, et portant un casque à corne et un drapé de lin. Il s'agit de l'une des premières représentations de paysages, avec les montagnes dans le fond, et les deux soleils qui sont des symboles divins. Les détails sont plus précis qu'avant, on voit les visages, les différentes armes. Il y a aussi une composition dynamique avec l'armée montante.
Period: 2160 BCE to 1652 BCE

Moyen Empire Egyptien

Les égyptiens cherchent à retrouver les techniques et l'esthétiques propres à l'Ancien Empire, notamment à travers leurs temples, leurs statues et la bijouterie.
Period: 2150 BCE to 2000 BCE

Renaissance sumérienne

Un nouveau roi prend le pouvoir, le Prince Gudea de la dynastie Lagash, et fait de Sumer la capitale. Dans le même temps, les Arménites, des nomades de l'ouest se sédentarisent en Mésopotamie. Les états rivaux partagent une culture homogène, au niveau de la langue, la religion, du fonctionnement économique et de l'organisation politique centrée dans les palais royaux.
Period: 1552 BCE to 1069 BCE

Nouvel Empire Egyptien

Cette période contient les 18e à 20e dynasties, le premier grand règne est celui d'Akhénaton. Il s'agit d'une période de restauration et de multiplication des temples sur tout le territoire égyptien, c'est à ce moment que naissent de nouvelles formes de représentation, on s'éloigne du classique et les personnages ont des formes plus souples et androgynes.
Period: 800 BCE to 600 BCE

époque archaïque Grèce Antique

Période de révolution urbaine avec des cités séparées en deux zones : l'agora, qui contient la vie politique et économique de la ville et l'acropole, qui est réservée à la religion et contient un temple dédié à la divinité polyade, protectrice, ainsi que d'autres temples.
Period: 751 BCE to 332 BCE

Basse Epoque Egyptienne

Cette période comporte les 24e à 31e dynasties, elle n'amène pas de grands bouleversements esthétiques, les canons restent sensiblement les mêmes, mais il y a des changements dans la qualité de représentation.
700 BCE

Apparition de la figure noire en céramique

Cette technique apparaît à Corinthe, qui en détient le monopole jusqu'au IVe s. BC. Elle permet plus de finesse dans les céramiques, et repose sur trois étapes de cuisson. Corinthe est néanmoins dépassée par Athènes, où les artisans obtiennent de meilleurs contrastes rouge-noir et utilisent des incisions plus fines.
635 BCE

Amphore du peintre de Nessos

Il s'agit d'une amphore à col et anses pleines, conservée au musée national d'Athènes, qui mesure 1 m de haut. La partie supérieure représente le centaure Nessor se battant contre Héraclès, qui veut se venger de lui après la séduction de sa femme. Le héros est représenté glorieux et sévère, avec un nez droit, tandis que son adverse possède un nez rond. Divers ornements courent sur l'intégralité du vase, à cette époque, les artisans comblent l'espace par peur du vide.
600 BCE

Temple Héraion à Olympie

Il s'agit d'un temple hexastyle périptère dorique dédié à la déesse Héra, sœur et femme de Zeus, déesse du mariage, de la fidélité et de la fécondité. C'est l'un des plus anciens temples grecs connus, de 50m par 19 m, avec 6 colonnes en façade et 16 latérales, qui étaient à l'origine en bois. On y a retrouvé la tête de la statue d'Héra, et un autel avec la flamme olympique à l'extérieur.
590 BCE

Temple d'Artémis à Corfou

Il s'agit d'un temple octostyle périptère dorique dédié à Artémis, déesse de la chasse et de la nature, qui fait partie des sept merveilles du monde antique. Il est composé en trois parties : le pronaos, le naos et l'opisthodome, c'est le premier temple dorique exclusivement en pierre, le fronton triangulaire représente une gorgone entourée de félins. Le temple contient 8 rangées de 17 colonnes sans base.
580 BCE

Noces de Thétis et Pelée, de Dinos de Sophilos

Il s'agit d'un cratère monté sur un pied, l'un des plus anciens vases signés retrouvés à ce jour, qui est conservé à l'Acropole d'Athènes. La scène est composée en registres, avec des frises décoratives inspirées des civilisations anciennes dont l'art égyptien. La scène centrale est tirée de l'Illiade, il s'agit de l'union des parents d'Achille. On voit aussi des animaux réalistes, dont un cygne se référant à Zeus et des animaux allégoriques, ainsi que des personnages anthropomorphes.
560 BCE

Le moscophore

Cette sculpture représente un dédicant, un homme qui fait offrande d'un veau. Il porte une perruque orientalisante, un himation et possède un nez long et une barbe. On sait qu'il avait des incrustations d'yeux en pierres précieuses. Sa musculature est accentuée, le veau est plutôt réaliste.
560 BCE

Artémision à Ephèse

Ce temple a été bâti par Chersiphon de Cnossos, Démétrios et Péonios, c'est à l'époque le plus grand temple jamais construit, qui représente un défi d'ingénierie. Il est aussi chargé de légendes, puisqu'on dit que c'est Artémis qui a créé l'architrave. Erostrate y a mis le feu pendant que la déesse était occupée par l'accouchement d'Alexandre le Grand, lequel se proposera de financer la reconstruction de la ville. C'est également une des sept merveilles du monde antique.
550 BCE

Le Cavalier de Rampin

Il existe deux exemplaires de cette sculpture, une au Louvre et une au musée de l'Acropole. La représentation est plutôt frontale, mais le visage est assez expressif. Il y a une influence de l'époque d'Akkad et des dynasties archaïques. Les cheveux sont courts et sa couronne se détache de sa coiffure.
550 BCE

Phrasikleia, de Aristion de Paros

Il s'agit d'une sculpture taillée d'un bloc, à l'origine polychrome. Elle représente une mortelle, une aristocrate puisqu'elle possède un vêtement orné, une coiffure orientalisante et une couronne au dessus de la tête. Comme toutes les sculptures de cette époque, sa musculature est importante voire disproportionnée au niveau des épaules.
540 BCE

Achille et Ajax jouant aux dés, Amphore d'Exékias

Cette amphore est conservée au musée du Vatican, contrairement aux autres, les ornements ne viennent pas combler l'intégralité de l'espace vide, dont le fond est simplement noir, la scène est assez épurée, si ce n'est les frises décoratives sur les anses, en haut et en bas. Achille y porte un casque pour être reconnaissable, le traitement du visage est semblable pour les deux personnages.
530 BCE

Koré au Péplos

Il s'agit d'une jeune femme portant un péplos, un vêtement caractéristique féminin de cette époque, en lin ou en laine. La sculpture est de style dédalique, avec une chevelure orientalisante au long cheveux bouclés. Ses poings fermés montrent qu'elle devait tenir en main une offrande.
525 BCE

Trésor de Siphnos à Delphes

Les Siphniens consacrent un trésor à Apollon, le plus représentatif de la forme ionique, entièrement en marbre, avec un décor d'une grande richesse. Les sculptures représentent Zeus, Artémis, Héraclès, la bataille de Troie et la Gigantomachie. C'est la toute fin de l'architecture archaïque, avant de rentrer dans l'époque classique.
515 BCE

Héraclès et Ante, Cratère d'Euphronios

Il s'agit d'un cratère à figure rouge, à anses pleines, dont les frises de palmettes et lotus délimitent la scène centrale. Celle-ci représente l'affrontement entre Héraclès et le géant Ante, et est totalement symétrique. Les visages sont représentés mentons en avant, avec des nez longs et des visages angulaires, la musculature de l'abdomen est soulignée, les regards sont déterminés. Les cheveux sont représentés avec la technique du grènetis.
510 BCE

Vase de la mort de Sarpédon

Il s'agit d'un cratère à anses percées, en très bon état de conservation, conservé au MET. Deux frises délimitent la scène, la composition est symétrique, délimitée par des soldats des deux côtés. La scène principale montre Sarpédon, fils de Zeus et Laodamie (fille de Bellérophon), emmené par Hypnos et Thanatos, personnifications du sommeil et de la mort. Hermès Psychopompe, l'accompagnateur des âmes, au centre, tient son caducée.
508 BCE

Naissance de la démocratie

La démocratie apparait à Athènes, grâce à Thésée, le roi fondateur, qui la met en place en renversant le tyran Pisistrate.
490 BCE

Temple d'Aphïa à Egine

Il s'agit d'un temple hexastyle périptère dorique, il se situe sur le sommet d'une colline où l'on se rendait dès le 13e s. BC pour voir une déesse mère. Aphïa était la fille de Léto, et a été rendue invisible par Artémis pour échapper aux hommes. Trois temples se sont succédés à cet endroit. Les frontons sont considérés comme le plus bel exemple de la sculpture transition entre archaïque et classique.
480 BCE

Ephèbe de Critos

Il s'agit d'un jeune homme nu, à une échelle plus petit que nature. Il lui manque les deux avant-bras, la jambe droite et le pied gauche, ses traits sont assez fins. Sa position est typique de l'époque sévère, il est placé en contrapposto. Ses yeux étaient incrustés de pierres ou de verre.
Period: 480 BCE to 450 BCE

Style Sévère

C'est une période de la statuaire grecque durant laquelle on assiste à une simplification des codes. Il y a une sévérité des formes, notamment des traits du visage et du traitement des drapés. Les dieux et les héros deviennent le sujet principal du style classique.
Period: 480 BCE to 323 BCE

Epoque classique de la Grèce Antique

La deuxième période stylistique de la Grèce Antique est l'époque classique, qui peut être redécoupée en trois périodes pour la statuaire : l'époque sévère entre 480 et 450 BC, le premier classicisme entre 450 et 400 BC et le second classicisme entre 400 et 323 BC.
475 BCE

les Tyrannoctones

Il s'agit d'une sculpture représentant Harmodios et Aristogiton, qui ont assassiné Hipparque, le fils du tyran Pisistrate. Les traits du visage et la chevelure sont assez simples, les proportions sont très réalistes. L'idée du mouvement est donnée par la posture des jambes et des bras. La sculpture a été beaucoup copiée et est un symbole de démocratie.
460 BCE

Zeus ou Poséidon du cap Artémision

Il s'agit d'une des rares sculptures en bronze et cuivre qu'on ait retrouvée. Il est représenté nu, dans une posture héroïque, il semble être prêt à lancer quelque chose, un trident ou un éclair. Il a une expression assez neutre, ses proportions sont correctes, sans exagération de la musculature.
456 BCE

Temple de Zeus à Olympie de Libon d'Elis

Il s'agit d'un temple hexastyle périptère dorique, érigé suite à un combat entre Pausanias et Elis, deux rois grecs se disputaient la ville d'Olympie. Il est en calcaire coquillé, recouvert du stuc avec certains décors en marbre. Il y a aussi des grecques sur les frises, le temple devient ensuite le modèle architectural du temple classique.
Period: 451 BCE to 426 BCE

Guerre entre Athènes et Sparte

Cette guerre dure 25 ans et se termine par la défaite d'Athènes, elle a un grand impact sur les institutions démocratiques, puisque les citoyens doivent combattre, la démocratie perdure néanmoins jusqu'à la mort d'Alexandre le Grand en 322, après quoi, Philippe II de Macédoine impose un régime politique oligarchique.
450 BCE

Le Discobole de Myron

A cette époque, les dieux, les héros et les athlètes sont représentés en majestés, représentés pendant l'effort, avec une mise en exergue de la tension des muscles, mais les visages restent calmes et inexpressifs. Ici, il s'agit d'un athlète lançant un disque, dans une position exagérée, voire impossible, puisque plusieurs moment du lancer sont représentés en même temps.
Period: 450 BCE to 400 BCE

Premier classicisme

Le principe de cette période est l'idéalisation de l'homme, la mise en mouvement du corps et la volonté de signifier le calme, la sérénité et l'équilibre. Les hommes sont toujours représentés jeunes, il existe aussi un système des proportions idéales, dans lequel la tête doit mesurer 1/7 de la hauteur du corps, ainsi qu'une opposition entre la ligne du bassin et des épaules.
447 BCE

le Parthénon à Athènes de Phidias

Ce temple a été érigé en hommage à Athéna, il est de style dorique, et les frises et métopes ont été dispersées dans plusieurs musées dans le monde. Il abrite une statue chryséléphantine d'Athéna, dont on ne connait que des copies romaines, de 12 m de haut. Le décor était polychrome, en marbre peint, réhaussé de bronzes dorés.
440 BCE

le Doryphore de Polyclète

Il s'agit d'une sculpture de 2m12 de haut, copie d'une sculpture en bronze perdue, qu'on plaçait à l'entrée des gymnases. Il est représenté en contrapposto, une jambe tendue et l'autre pliée, la posture reste cependant assez naturelle. Les cheveux sont très détaillés.
420 BCE

Niké de Paionios

Cette sculpture est typique des canons du second classicisme, en un seul bloc de marbre de Paros, de 2m16 de haut. C'est une déesse de la victoire, dont les deux bras et une partie des jambes sont perdues. Le mouvement est suggéré par les drapés, qui sont presque vivants.
Period: 400 BCE to 323 BCE

Le Second Classicisme

Il s'agit d'une période transitoire, Lysippe fait évoluer l'ordre des proportions, la tête fait 1/8 de la hauteur du corps. Les mouvements du drapé sont différents, annoncent l'époque hellénistique, le but est de montrer l'instant, le mouvement. Il y a également une multiplication des allégories et personnification, et un plus grand travail sur la tridimensionnalité.
350 BCE

Hermès portant l'enfant Dionysos de Praxitèle

Il s'agit d'une représentation du dieu Hermès appuyé contre un tronc d'arbre, sur le mont Nysa, tenant dans ses bras Dionysos, le fils de Zeus et de Sémélée (morte en voyant sa forme originelle). Contrairement aux autres olympiens, ce n'est jamais sa puissance qui est valorisé. Cette sculpture annonce la période hellénistique.
330 BCE

Apollon du Belvédère

Cette statue a été découverte par une copie romaine, c'est l'une des plus emblématique de l'époque classique, qui mesure 224 cm de haut. Apollon prend les traits d'un adolescent, portant une tunique, représentant les musiciens. Lorsqu'il était enfant, Apollon a tué le serpent Python a Delphes, il est donc représenté victorieux à cet âge, le regard tourné vers l'avenir, ses attributs étaient sans doute représentés.
323 BCE

Apparition de l'ordre corinthien

A la fin du classicisme, le troisième ordre apparaît, inventé par Callimaque, sculpteur et orfèvre. La première apparition est au temple d'Athéna à Tégée. Les chapiteaux représentent une corbeille de feuilles d'acanthe et de volutes inversées. les colonnes ne sont jamais plus basses que celles de l'ordre dorique et possèdent une base.
Period: 323 BCE to 31 BCE

Période hellénistique

Cette période est caractérisée par une grande urbanisation, pendant sa conquête, Alexandre le Grand met en place 34 villes, dont Alexandrie et Apamée. Les constructions correspondent aux règles de l'urbanisation grecque, la part de la religion dans la vie est toujours aussi importante. La statuaire est marquée par un gout pour le passé, beaucoup de copies de l'époque classique ont lieu. la théâtralité est aussi très présente et les thèmes historiques apparaissent.
300 BCE

Apparition de la figure rouge en céramique

Il s'agit de la technique inverse de la figure noire, avec des personnages clairs sur un fond foncé, vernissé. Les personnages sont plus réalistes et expressifs et les détails se multiplient. Elle prend finalement le pas sur la figure noire, qui disparaît peu à peu.
280 BCE

Démosthène de Polyeuctos

Démosthène était un homme politique athénien du IVe s. BC qui s'est battu pour entrer en guerre contre le roi Philippe de Macédoine pour l'indépendance d'Athènes. Le corps et le visage sont marqués par le temps, moins idéalisés qu'auparavant, il tient à la main un parchemin, symbole de sa place dans la société.
180 BCE

Grand Autel de Pergame

La reconstitution est aujourd'hui conservée au Berlin Antikenmuseum, il possède des colonnes ioniques et des frises sculptées. Sur la partie basse se trouvent des ensembles sculptés : des scènes mythologiques et de combat, notamment une gigantomachie.
55

Femme peintre

Il s'agit d'un enduit peint retrouvé à Pompéi, du 4e style, désormais conservé au musée national d'archéologie de Naples. C'est l'une des rares fois où l'on montre une femme travailler la peinture, l'art étant essentiellement réservé aux hommes à l'époque.
1548

Autoportrait au chevalet de Catharina van Hemessen

Il s'agit du tout premier autoportrait au chevalet de l'histoire de l'art, créé, non pas comme on pourrait l'imaginer, par un homme, mais bien par une femme. Elle a d'ailleurs signé "Ego Catharina van Hemessen me pinxit" ce qui signifie "moi, Catharina van Hemessen, je me suis peinte", une véritable revendication de sa légitimité en tant que peintre, qui était souvent refusée aux femmes à l'époque, qui peignaient anonymement dans des ateliers et ont maintenant disparu de l'histoire de l'art.
1559

Bernard Campi peignant Sofonisba Anguissola

Elle est l'une des rares artistes femmes de l'époque à être reconnue pour son talent sans appartenir à une famille d'artiste, elle devient d'ailleurs peintre de la famille royale d'Espagne. Dans ce tableau, elle représente son maître Bernardo Campi en train de la peindre, mais en analysant le tableau, on voit qu'elle s'était d'abord peinte tenant la main du maître pour la représenter, elle prend donc l'ascendant sur lui, inversant les rôles.
Period: 1581 to 1657

Clara Peeters

Il s'agit d'une artiste du XVIIe siècle, qui a s'est spécialisée dans la nature morte, l'un des seuls genres accessibles aux femmes à l'époque. Sur un certain nombre de ses tableaux, on peut voir qu'elle a fait des autoportraits cachés d'elle-même, dans les reflets sur les objets.
1631

La proposition de Judith Leyster

Judith Leyster est l'une des plus grandes peintres hollandaises du XVIIe siècle, qui a beaucoup peint sur les relations (souvent toxiques) entre hommes et femmes, ici, elle montre un homme insistant pour obtenir les faveurs d'une femme, en lui offrant une bourse, que la jeune femme ignore totalement, se concentrant sur son ouvrage. L'artiste contre ainsi la vision vénale de la femme de l'époque, qui imagine qu'elle ferait tout pour de l'argent.
1638

Autoportrait en allégorie de la peinture de Artemisia Gentileschi-Lomi

Il s'agit d'un autoportrait de l'artiste en train de peindre, penchée pour observer son modèle à gauche de son chevalet, vêtue d'une robe verte et portant les attributs du peintre : le pinceau et la palette. Cette artiste italienne de l'époque caravagesque devient une grande peintre de cour grâce aux Médicis et à Charles Ier d'Angleterre, elle est l'une des premières artistes baroques. Le viol qu'elle a subit par son précepteur Tassi et le procès qui a suivi ont violemment marqué sa vie.
1772

Autoportrait de l'artiste peignant un portrait de Quentin de la Tour de Marie Suzanne Roslin

Il s'agit d'un autoportrait au pastel de Marie Suzanne Roslin, alors qu'elle reproduit le portrait de son maître Quentin de la Tour. Elle est reçue à l'Académie en 1770. Dans ce tableau, elle se place au centre, regardant le spectateur, pour mettre en évidence le fait qu'elle est le sujet de la toile, non pas uniquement le portrait qu'elle reproduit. Elle joue sur les regards, avec les deux tableaux et elle-même qui regardent en direction du spectateur.
1785

Autoportrait avec deux de ses élèves, Marie-Gabrielle Capet et Marie-Marguerite Carreaux de Rosemond, de Adelaïde Labille-Guiard

Adelaïde Labille Guiard est une artiste qui, pour contrer les doutes sur sa capacité à peindre lors de son admission à l'Académie en 1783, a peint l'intégralité des membres du jury comme preuve. Elle devient ensuite enseignante, alors qu'à l'époque, les femmes n'étaient pas en droit d'enseigner, elle se revendique maître d'atelier à travers ce tableau, où elle apprend la peinture à ses deux élèves, également féminines.
1800

Portrait de Madeleine, dit portrait de femme noire, de Marie-Guillemine Laville-Leroulx f. Benoist

Contrairement aux types de représentations qu'on réalisait pour les domestiques, qui plus est de couleur, l'artiste représente ici Madeleine assise dans un beau fauteuil couvert d'un drapé, tournant délicatement la tête vers le spectateur, une composition qu'on réservait plutôt à la noblesse. Le nom de son modèle a été oublié pendant près de 200 ans, durant lesquels le tableau a reçu l'appellation raciste de portrait de femme noire.
Period: 1841 to 1895

Berthe Morisot

Il s'agit d'une des fondatrices du mouvement impressionniste, elle travaillait à l'origine avec sa sœur, mais, suite à son mariage, celle-ci n'est plus que le modèle de sa sœur. Elle est très admirée par ses contemporains, dont Manet, Degas, Monet et Renoir. Elle utilisait au début beaucoup de couleurs sombres, mais ses toiles s'éclaircissent au long de sa carrière.
Period: 1851 to 1944

Hilma af Klint

Il s'agit de la première artiste à avoir travaillé l'art abstrait, en 1906, soit encore avant Wassily Kandinsky, qui est considéré comme son fondateur. Son travail n'a été redécouvert qu'en 1968, soit 60 ans après les travaux de son groupe De Fem, qui travaillaient sur le mysticisme et le spiritisme et retranscrivaient les vibrations de l'autre monde sur la toile.
Period: 1864 to 1943

Camille Claudel

Il s'agit d'une sculptrice française qui a réalisé des bronzes et des marbres, mais a dû attendre longtemps après sa mort pour être redécouverte, puisqu'elle est restée longtemps dans l'ombre de son maître Rodin, de l'influence duquel elle essaya de se libérer, mais dont elle dépendait financièrement. Après 1905, elle est considérée comme atteinte d'une maladie mentale, elle détruit une partie de ses œuvres et accuse Rodin de lui avoir volé ses idées, elle est incarcérée dans un hôpital en 1913.
1898

Rosa Bonheur de Anna Klumpke

C'est suite aux nombreuses séances de pose nécessaires à peindre ce portrait de Rosa Bonheur à 76 ans que les deux femmes deviennent compagnes, s'inspirant l'une l'autre pour leur travail. Anna Klumpke réalisera également la biographie de Rosa Bonheur après sa mort.
Period: 1907 to 1954

Magdalena Frida Carmen Kahlo Calderon dite Frida Kahlo

Il s'agit d'une artiste très célèbre pour ses autoportraits au regard pénétrant, elle se forme à la peinture suite à son accident, à cause duquel sa santé est très fragile. Elle est mariée à Diego Rivera, également peintre, qui est très impressionné par ses tableaux dès leur rencontre. Elle a aussi eu une aventure avec Léon Trotsky lors de son asile politique au Mexique, elle lui a d'ailleurs peint un autoportrait dédicacé.
1928

La reine des cœurs de Gerda Wegener

Il s'agit d'un portrait de Lili Elbe, la compagne de Gerda Wegener, également la première femme au monde a avoir subi une opération de changement de sexe. Elle est aussi très souvent le modèle de sa compagne, qui fait partie des grandes peintres avant-gardiste des années 1920, dites années folles. Ces tableaux deviennent les premières icônes du regard queer dans l'art, jusque là caché et discriminé.
Period: 1929 to 2022

Yayoi Kusama

Il s'agit d'une artiste contemporaine japonaise, qui utilise beaucoup les pois et les couleurs dans ses œuvres. En 1960, elle écrit Manifeste de l'oblitération, et entame une transition vers l'installation et la performance. La première partie de sa carrière se déroule aux Etats-Unis, où elle est une avant-gardiste très reconnue, puis en 1973, elle retourne au Japon et vit dans un hôpital psychiatrique où elle possède un atelier. Elle travaille aussi la ode, avec la Kusama Fashion Cie Ltd.
Period: 1930 to 2002

Niki de Saint Phalle

Il s'agit d'une célèbre plasticienne, peintre, graveuse, sculptrice et réalisatrice, qui a tout appris en autodidacte. Elle a fait partie du mouvement nouveau réaliste, elle est célèbre pour la série des nanas, ses performances de tirs et des sculptures qu'elle a réalisées avec Jean Tinguely, son mari, comme la fontaine Stravinsky, le Cyclop ou le Jardin des tarots. Elle est aussi très engagée et soutient les Noirs américains, la libération des femmes et les malades atteints du sida.
1936

Le déjeuner en fourrure de Meret Oppenheim

Cette œuvre consiste en un service à thé entièrement recouvert de fourrure, devenant donc inutilisable dans sa fonction première, quoique très élégant, cette idée lui vient au cours d'une discussion avec Picasso et Dora Maar. André Breton s'est ensuite approprié le travail de l'artiste, en le sexualisant, ce qui n'était pas le propos d'origine de Meret Oppenheim. Il vola une nouvelle fois son travail avec l'œuvre festin de printemps, qu'il transforma en banquet cannibale.
Period: 1945 to 2022

Barbara Kruger

Il s'agit d'une artiste conceptuelle américaine très connue pour ses installations composées de photomontages sur l'intégralité des murs, à base de slogans publicitaires agressifs en rouge, noir et blanc. Elle a travaillé en tant que graphiste publicitaire, ce qui lui donne un regard très affuté sur tous ces slogans favorisant la société de consommation, le patriarcat, et toutes les autres tares de la société actuelle.
Period: 1954 to 2022

Cindy Sherman

Il s'agit d'une artiste photographe américain, qui est son propre et unique modèle. Son oeuvre a une tendance fictionnelle, elle incarne d'autres personnages, jusqu'à effacer sa personne de ses photographies, en utilisant la théâtralité pour endosser un autre rôle que le sien. La série qui l'a fait connaître est "Untitled Film Still", où elle se photographie en utilisant les codes du cinéma pour faire croire à une image apparaissant en mettant un film en pause.
Period: 1957 to 2022

Shirin Neshat

Il s'agit d'une artiste vidéaste et photographe iranienne, qui traite des contrastes entre les cultures de l'Islam et de l'Occident. Une des ses séries est The Women of Allah, qui représente des femmes entièrement couvertes de calligraphie farsi. C'est à partir des années 1990 qu'elle s'intéresse aux installations vidéo, notamment à travers Turbulent, où elle parle des codes sociaux, culturels et religieux des sociétés musulmanes.
1969

Action Pants : Genital Panic de Valie Export

Il s'agit d'une performance de l'artiste, durant laquelle elle est entrée dans un cinéma porno au milieu d'une séance et s'est assise face au public, jambes écartées, dévoilant ainsi son jean troué au niveau du pubis. La performance n'a jamais été filmée et est devenue presque légendaire, il y a ensuite eu des photographies de l'artiste portant le même jean et une mitraillette, pour montrer le combat du féminisme contre la vision misogyne et dégradante de la société contre la femme.
Period: 1976 to 2022

Aya Takano

Il s'agit d'une artiste peintre japonaise contemporaine, appartenant au mouvement Superflat, elle produit des images assez surréalistes de femmes, animaux et créatures mythologiques, souvent à connotation sexuelle. Les personnages sont très fins et plats, assez poétiques, avec des couleurs très douces.
1980

Autoportrait de Alice Neel

Il s'agit d'un autoportrait nu de l'artiste, réalisé à l'âge de 80 ans, qui a ça de particulier qu'il représente un corps féminin nu sans être érotisé comme il le serait à travers le male gaze, mais qui montre de manière réaliste le passage du temps sur un corps humain, sans pour autant montrer la vieillesse comme dégradante, mais simplement comme une partie de la vie.
1989

Do women have to be naked to get into the MET museum? des Guerilla Girls

Il s'agit d'une oeuvre du collectif féminin les Guerilla Girls, qui questionne sur la place accordée à la femme dans le monde de l'art, en montrant que la majeure partie des nus exposés au MET sont des nus féminins, mais quasi exclusivement réalisés par des hommes, tandis qu'une infime proportion des artistes exposés sont des femmes. Cela prouve que les hommes se sont réservés le monde de la création artistique en excluant les femmes, à l'exception de leurs corps, qu'ils s'approprient aussi.
2001

The Bride de Joanna Vasconcelos

Il s'agit d'une œuvre figurant un lustre gigantesque et très élégant, entièrement composé de tampons. A travers celle-ci, l'artiste veut à la fois rendre hommage à la femme porteuse de vie, mais aussi questionner le regard de la société, qui considère comme honteux d'afficher un objet symbole d'une intimité féminine considérée comme dégradante alors qu'elle est parfaitement naturelle. Elle demande si, dans le cas où les règles auraient été masculines, elles auraient été vues de la même manière.
2010

The artist is present de Marina Abramovic

Il s'agit d'une performance au MoMA de New York, durant laquelle l'artiste a passé sept heures par jour pendant 75 jours assise autour d'une table, sans boire, manger ou bouger. Les spectateurs étaient invités à s'assoir en face d'elle, pour créer un lien entre eux, par l'observation silencieuse.